А все модное в искусстве как и в жизни
Мода и искусство, выражаясь терминологией естественных наук, являют собой пример симбиоза — союза гармоничного и, что уж скрывать, взаимовыгодного. Искусство, как результат рефлексии художника, дарит очередное видение мира своему коллеге по мастерству — дизайнеру, претворяющему самые невероятные идеи в жизнь. Словно гончар, он конструирует и форму, и силуэт.
Дуэт художника и модельера встречается нечасто — многим в мире моды кажется более простой идея превратить показ в очередной tribute. Однако важнее найти «своего» человека, в сотрудничестве с которым планета увидит нечто новое.
Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали
Причудливому гению Дали в далекие 30-е годы встретилась эксцентричная жительница Парижа итальянского происхождения, без которой невозможно было представить дальнейшее развитие сюрреализма в одежде и аксессуарах, оживших прямиком с полотен великого художника. Эльза Скиапарелли — имя, принадлежащее женщине-революционеру, которая шокировала публику внедрением в женский гардероб кричащего и вычурного цвета фуксия. Тандем Дали-Скиапарелли навсегда запомнится fashion-объектами, чего только стоит Shoe Hat — плод воображения художника, нахлобучившего туфлю жены себе на макушку ради фотографии. Или же Tear Dress — не путать со «слезой»: правильно именовать одеяние «Платье с вырванными лоскутами». Платье-лобстер и вовсе потрясло мир, и даже дважды: сначала благодарю его появлению, затем — женщине, позволившей себе его надеть. Уоллис Симпсон как никто другой владела искусством эпатировать публику, и не в последнюю очередь любовь к смелым нарядам привела ее к будущему супругу — королю Эдуарду VIII.
Ив-Сен Лоран и Энди Уорхол
Можно ли было предположить, что великий французский модельер будет сотрудничать с не менее великим американским художником и идеологом целого поколения? В 60-е не было ничего невозможного: оду абстракции, заключенной в рамки популярного течения поп-арт, проиллюстрировали банками супа Campbell’s на платьях простого кроя. Кстати говоря, и сами платья — не что иное, как плод совместных усилий: А-силуэт появился в 1965 году стараниями кутюрье и современником Кандинского — Питером Мондрианом.
Как результат — ни один художественный фильм или сериал, съемка для глянцевого журнала или обложки музыкального альбома, не обходятся без отсылки к эпохе всепоглощающей свободы и любви.
Неизобразительные формы искусства также оказали влияние на вселенную моды: слишком рано покинувшая нас архитектор Заха Хадид в союзе с именитой французской маркой подарила нам зрелище поистине масштабное и, не побоюсь этого слова, неземное. Словно Всевышний, Хадид ровно за неделю выстроила павильон для показа великого Дома в 2008 году, придав ему форму жемчужного корабля — гигантский наутилус путешествовал из Гонконга в Токио, а оттуда прямиком в сердце Нью-Йорка, в Центральный парк. Несмотря на волну критики со стороны редакторов New York Times, кажется глупым отрицать масштабность идей архитектора и соизмеримое им воплощение в виде невероятного павильона. Заха Хадид продемонстрировала, что в недалеком будущем есть место для органичного переплетения минималистичных форм и силуэтов времен Габриэль Шанель.
Louis Vuitton и… все-все-все
С приходом Марка Джейкобса в Louis Vuitton слово «коллаборация» прочно связалось с итальянским домом моды. Сменить привычное лого компании на роспись в стиле граффити? Пожалуйста! Коллекция 2009 года была посвящена творчеству знаменитого уличного художника Стивена Спрауза: теггинг во всевозможных неоновых цветах украсил аксессуары, в числе которых были сумки Neverfull и Speedy. Вдобавок ко всему рекламная кампания Терри Ричардсона, в объектив которого попал обнаженный красавец Джейкобс, лишь подогрела интерес к марке. Но и на этом Марк Джейкобс не остановился: вплоть до самого ухода из Louis Vutton дизайнер привлекал к работе над новыми коллекциями самых разных художников — японских (Такаси Мураками, Яёи Кусама) и британских (Ричард Прайс).
Последнее десятилетие ознаменовано таким явлением в моде, как fast-fashion. И каждому известно, за какими торговыми марками кроется стремительная популярность одежды, созданной по мотивам модных показов, которые имеют при этом приятный демократичный ценник. Снобы могут продолжать морщить нос, однако же прогресс налицо: H&M стремительно эволюционирует и превращается в законодателя мод наряду с остальными своими «старшими» коллегами. И все благодаря открытости бренда ко всему новому: половине человечества, не владеющей возможностью приобрести вещь от кутюр, повезло носить неопреновый бомбер от Александра Вэнга, платья от самой Стелы Маккартни, а верхнюю одежду от Марджелы.
Стоит признать, что мода — отнюдь не вид искусства в силу своей коммерческой заинтересованности. Критики и историки моды утверждают, что мода — это, прежде всего, «обещание», но времена дворянских сословий и эпохи яппи миновали. Мода теперь — синоним «реакции»: с помощью одежды можно выразить свое отношение к происходящему вокруг. Искусство же выполняет свое главное предназначение испокон веков, задавая правильные ориентиры и вдохновляя дизайнеров на осуществление своих грандиозных задумок.
07 февраля 2018
В разные времена художники сотрудничали с модными брендами, задавали тренды индустрии, а некоторые даже стали иконами стиля. Vogue.ua рассказывает о том, как сюрреализм просочился в моду, мексиканский наряд обрел новую жизнь, а крупный горох родом из Японии украсил аксессуары Louis Vuitton.
Сальвадор Дали
Тонкие вздернутые кверху усы и безумный взгляд – таким все знают величайшего сюрреалиста XX века Сальвадора Дали. Этот экспрессивный выдумщик гордился тем, что он испанец и тем, что он Дали. Художнику было интересно все: от живописи и фотографии до театра и, конечно же, моды. Экспериментировать с одеждой он начал после знакомства с дизайнером Эльзой Скиапарелли. Их тандем подарил миру моды с десяток неординарных нарядов. Среди них, к примеру, платье-лобстер, в котором герцогиня Виндзорская в 1937 году снялась для журнала Vogue. Позже подобное платье с огромным золотым омаром создал модный дом Prada, а Анна Винтур выбрала его для выхода в свет. Когда Дали сфотографировал свою супругу Галу с туфлей на голове, ему пришла идея такой шляпки и Скиапарелли тут же воплотила ее в жизнь. Среди необычных задумок художника также экстравагантное вечернее платье-скелет и платье-слеза, для которого ему пришлось разработать специальную технику печати по ткани.
Вскоре сюрреалист увлекся еще и ювелирным делом. Он рисовал эскизы необычных украшений, а его друг Карлос Алемани воплощал их в жизнь. Так появились часы в виде глаза, «Рубиновые губы», серьги-телефоны, брошки-руки, «Космический слон» – больше тридцати необычных ювелирных украшений. Кроме того, Дали тесно сотрудничал с модными изданиями. Для журнала Vogue он создал шесть обложек, одной из его лучших работ стало оформление праздничного декабрьского номера. Вскоре французский Vogue вышел с автопортретом художника на обложке.
Фрида Кало
Картины мексиканской художницы Фриды Кало были ее автобиографией. Она ничего не приукрашала, рисуя собственную боль, страхи и страдания. Именно поэтому ее картины могут показаться жуткими. В 18 лет она попала в автокатастрофу, после чего всю жизнь терпела физическую боль, а брак с художником Диего Риверой принес ей немало и душевных страданий. Фрида стойко выносила все жизненные испытания: постоянные проблемы со здоровьем, измены мужа, аборты, выкидыши. Она запомнилась не только своим творчеством и силой духа, но и стилем.
Чтобы угодить мужу, Фрида начала носить национальный мексиканский наряд. Так появились юбки в пол, которые, к тому же, скрывали ее ссохшуюся от полиомиелита ногу, яркие многослойные блузки, массивные аксессуары, разнообразные шали и венки из цветов. Такую Фриду запечатлели на обложке французского Vogue, а в 1980-х годах ее стиль начали массово интерпретировать дизайнеры во всем мире. В 1997 году Жан-Поль Готье создал целую коллекцию, вдохновленную корсетами Фриды Кало. Кроме него стиль художницы переосмысливали Valentino, Dolce&Gabbana, Alexander McQueen, Moschino, Alberta Ferretti, Etro. В образе Фриды в разное время снялись Клаудия Шиффер, Моника Белуччи, Бейонсе, модели Гвиневер ван Синус и Карли Клосс
Энди Уорхол
Энди Уорхол был уверен, что мода – это не просто вещи, которые люди надевают, выходя куда-нибудь, но и повод выбираться из дома. Он был символом богемного Нью-Йорка 1960-тых, все время пребывал в окружении дизайнеров и моделей: Ива Сен-Лорана, Валентино, Хальстона, Дианы фон Фюрстенберг. Даже сам попробовал себя в качестве модели – сотрудничал с агентством Zoli и Ford.
Как и Дали, его привлекали разнообразные направления в искусстве. Начинал Уорхол как коммерческий иллюстратор в глянце, оформлял витрины магазинов, создавал дизайн рекламных плакатов, а позже увлекся фотографией, видеоартом, кино. В своей мастерской Уорхолл часто устраивал вечеринки, о которых писали в газетах и светских хрониках. Любовь к моде и светской жизни сподвигла Уорхола основать журнал Interview, где знаменитости брали интервью у других знаменитостей. Стиль Уорхола был достаточно скромным: он любил джинсы (даже шутил, что хотел бы в них умереть) и рубашки, кожаные куртки, классические костюмы и не обходился без седого парика. Его образ послужил вдохновением для многих дизайнеров еще при жизни художников. А знаменитые работы Уорхола в стиле поп-арт до сих пор используют для своих коллекций модные дома. Уже в конце 1960-тых Ив Сен-Лоран создал коллекцию одежды, в которой были представлены платья с коллажами-портретами Уорхола. Позже французский дизайнер Жан-Шарль де Кастельбажак переосмыслил нарисованные художником банки супа Campbell’s и создал бумажное платье, назвав его The Souper Dress.
В 1990-тых Джанни Версаче украшал платья знаменитыми поп-арт портретами Мэрилин Монро и Джеймса Дина, нарисоваными Уорхолом. Эти же портреты использовали в качестве принта на кроссовках Nike. Ранние фэшн-иллюстрации Энди Уорхола в свое время нашел и бельгиец Раф Симонс, украсив ими сумки Dior. А в 90-тых появилось даже платье “Andy Warhol Dress” с автопортретом художника.
Яёй Кусама
В свои 88 лет японская художница Яёй Кусама носит яркие парики, одежду в горох и продолжает творить в своем фирменном стиле polka-dots. Гипнотические точки сделали ее одной из самых известных, узнаваемых и дорогих художниц в мире. Стиль Кусамы сложно определить как что-то однозначное – это смесь минимализма, сюрреализма, поп-арта и абстрактного экспрессионизма. Свои первые работы она начала создавать еще в юности, чтобы справиться с мучившими ее галлюцинациями. Психические расстройства обогащали художницу идеями и в то же время способствовали становлению ее экстравагантного имиджа в мире искусства. Горошек был незаменимым элементов всех ее работ: живописи, инсталляций, даже перформансов и хэппенингов. Кусама создала несколько удивительных пространств, сочетая в одном месте polka dots с зеркалами и светом. Оказавшись в такой комнате сложно понять границы этого пространства, как и удержаться от фотографии. Так, после выставки Кусамы Infinity mirrors в Вашингтонском музее Хиршхорна в прошлом году, инстаграм был переполнен креативными фотографиями внутри арт-объекта.
Кусама верна своему искусству даже в повседневной жизни – носит яркую одежду в разноцветный горох. А в 2012 году художницу пригласил к сотрудничеству бренд Louis Vuitton. Кусама не только украсила одежду и аксессуары марки фирменным горошком, но и разрисовала временный бутик в Лондоне. В витрине магазина расположился и необычайно правдоподобный манекен, воплощающий образ самой художницы.
Читайте также:
5 необычных примеров паблик-арта
Еще в разделе Арт
Популярное
Не следуйте за модой
— ощущайте её
Спасибо!
На указанный вами адрес было отправлено письмо.
Подтвердите, пожалуйста, свою подписку.
Очень долгое время остается открытым вопрос о принадлежности моды к сфере искусства. Большинство людей привыкло считать моду скорее индустрией, нежели частью искусства. Мода ассоциируется с чем-то плотским, изменчивым и поверхностным, в то время как искусство в общем смысле этого слова — с вечным. На самом деле, тяжело найти платье, на которое смотрели бы спустя сотню лет так же восторженно, как на «Тайную вечерю» да Винчи. Но мода и искусство всегда следуют рядом. В чем же заключается их единство? Редакция Passion решила разобраться в этом вопросе и выяснить, как основные направления в искусстве влияют на моду.
Дизайнер или художник
«Мода — любимое дитя капитализма, построенное на алчности и желании каждого человека быть лучше других. Поэтому она априори не может находиться в связи с искусством, не имеющим основной своей целью получение выгоды», — утверждают культурологи. Той же точки зрения придерживалась и Коко Шанель, которая в ответ на сравнение ее одежды с конвейером на автомобильном заводе сказала: «Это не картина и не бессмертное произведение искусства». Ее главный оппонент — известный модельер того времени Поль Пуаре, заявивший в 1920-х годах: «Я не портной, я — художник!». Наряды Пуаре славились своей броскостью и обилием фактур, а также создавались в единственном экземпляре, что действительно давало возможность мсье Пуаре отнести себя к художникам — подобно скульптору, создающему статую в единственном экземпляре, Поль Пуаре выкраивал свои платья. Тем не менее, он не пренебрегал и сотрудничеством с масс-маркетами того времени.
К 1950-м годам большинство модельеров приняло сторону Пуаре, признав себя художниками. В 1980-е одна за другой стали появляться выставки, посвященные различным стилям в одежде. Это еще один повод отнести моду к сфере искусства.
Но прослеживаемая тенденция демократизации вещей от кутюр и выпуск их в массовое производство можно интерпретировать двумя полностью противоположными способами.
Первый — «искусство в массы», сторонники которого видят в демократизации «кутюра» равный доступ к нему многих слоев населения, следовательно, и доступность быть модным для всех, кто считает для себя это приоритетным. Это можно сравнить с выставками картин, на которых ценители могут лицезреть работы художников, которые раньше были сосредоточены в руках коллекционеров.
Второе же видение заключается в том, что искусство всегда доступно только ценителям. Можно купить картину, но нельзя купить понимание ее смысла. Ценовая доступность опускает предметы гардероба на несколько ступеней ниже произведений искусства, поэтому искусством они априори не являются.
Одним из ключевых источников вдохновения для дизайнеров является живопись, графика и современное искусство — абстракционизм и граффити. Сложная геометрия и чистые цвета, оп-арт и контрасты, графические линии и абстрактные рисунки — в качестве принтов дизайнеры используют самые необычные элементы и источники вдохновения.
Миучча Прада при работе над коллекциями Prada обращалась к современному искусству и стрит-арту, восточными мотивами и искусству оригами, дизайнерский дуэт Dolce&Gabbana воспевал любовь к роскошным золотым мозаикам из храма в сицилийском горде Монреале, а модный дом Louis Vuitton в разные годы черпал вдохновение в работах художницы Яеи Кусамы, мастера поп-арта Такаши Мураками и художника по граффити Стивена Спрауза.
В последнее время молодые дизайнеры все чаще черпают вдохновение в работах авангардистов. Работы Казимира Малевича, Пита Мондриана, Василия Кандинского, а также учеников художественной школы Баухауз все чаще по-новому интерпретируются в модных принтах дизайнеров. Откуда взялась эта мода? Слово предоставляется экспертам.
Cегодня мода и искусство просто не могут существовать друг без друга. Дизайнеры вдохновляются работами как мастеров эпохи Ренессанса, так и современными провокационными работами Джеффа Кунса и Дэмиена Херста. Молодые художники все чаще принимают участие в коллаборациях как с известными, так и с начинающими брендами. Они понимают, что коллекции, вдохновленные их творчеством, могут стать чем-то удивительным и дать новый толчок их карьере. Эмилия Манвельян и Анастасия Свиридова Создатели проекта Art Flash
[pagebreak]
Балет и мода всегда были тесно взаимосвязаны. Многие ведущие художники ХХ века, среди которых были Пабло Пикассо и Леон Бакст, разрабатывали эскизы костюмов для артистов балета дягилевских сезонов. Несколько десятков лет спустя над костюмами балетных артистов стали работать и ведущие художники по костюмам — Пьер Карден, Кристиан Лакруа и Карл Лагерфельд. Балет то и дело называется в качестве основного источника вдохновения ведущих дизайнеров. И этот сезон не стал исключением, балетная тема — ключевой тренд весны-лета 2016.
Эта тенденция прослеживается в коллекциях Miu Miu, Lanvin, Chanel и многих других ведущих марок. Дизайнеры рекомендуют носить юбки-пачки с косухами, а длинные юбки из тюля, напоминающие шопенки, с актуальными в этом сезоне балетками.
[pagebreak]
Взаимоотношение моды и архитектуры началось с необычного выбора мест показа. Дизайнеры стали уделять максимум внимания тем пространствам, в которых они проводили шоу, создавали специальные декорации. Вскоре эта идея нашла новое воплощение. Четкие архитектурные линии стали все чаще звучать в интервью дизайнеров как основные источники вдохновения.
Например, этой весной итальянская марка Premiata выпустила капсульную коллекцию обуви, в основе которой лежат идеи деконструктивизма, характерные для работ архитектора Захи Хадид. Архитектурные решения встречаются и в модных солнцезащитных очках, а также медицинских оправах. Ключевой тренд — заостренные металлические конструкции, зеркальные линзы, необычные цвета. Наиболее ярко это представлено в коллекциях Mykita, PQ Eyewear, Dior и многих других марок.
ФОТО: промо марок, vogue.com, instagram.com
Читайте также:6 российских дизайнеров, которые нам по карману7 грузинских марок, на которые стоит обратить внимание