Из чего сейчас модно рисовать

ВСЕ
Рисование
Советы художника
История искусств
Живопись
Рисунок
Цветоведение
Поэтапное рисование
Вдохновение
О художниках
Ученики
Композиция
Абстракция
Книги

Конечно, в рисовании, как и в любой другой деятельности происходят постоянные изменения – влияет и мода, например, на определённую манеру или стиль рисования, тенденции, предлагаемые масс-медиа, производство новых инструментов и материалов, развитие технологий и т. д. Изменяется не только внешний вид рисунков, но и сама структура, особенности их создания.

Я это отчётливо замечаю, так как обучалась рисунку в разных художественных учебных заведениях с середины 1990-х годов до 2010-х. Только за это время многое поменялось. Ведь наверняка вы и сами замечали, что художники 1960-х рисуют иначе, чем 1980-х, а работы, выполненные до 2000 года, например, сильно отличаются от творчества современных художников? “Хорошая работа”, – иногда засматриваюсь я на рисунок или картину, – ”но так сейчас не рисуют”. Интернет и развитие цифровой фотографии сослужили свою службу – уже никого не удивишь просто тщательно объёмно нарисованными предметами, или правильно построенным интерьером или реалистично-традиционно написанным портретом. Современные художники уже не просто изучают и передают на плоскости особенности модели, не только следуют академическим правилам, но и добавляют своим рисункам характерные особенности нашего времени, изучают и учитывают особенности восприятия изображения современным человеком, стараются выдерживать здоровую конкуренцию за внимание зрителя, ведь сейчас появилась даже некая мода на художников-самоучек (качественным образованием и упорным трудом (увы!) никого не удивишь).

Итак, постараюсь выделить некоторые особенности современного рисования (сконцентрирую внимание на графике, но современной живописи это тоже касается). Сразу оговорюсь, что это моё субъективное мнение, сформированное из собственного опыта, образования, насмотренности. Если вы считаете, что можно что-то добавить или убавить, приглашаю к разумному диалогу в комментариях.

1). Обострённая небрежность (скетчи).

Рисунки многих современных художников несут этот эмоциональный посыл – картинка нарисована как бы между прочим, легко и непринуждённо, по крайней мере выглядит она именно так. Наверное, сказывается дань времени, когда не принято прилагать большие усилия – не получается, значит не дано и не надо этим заниматься, вот маскируют художники свой колоссальный труд за такой вычурной небрежностью, лёгкостью, спонтанностью. А отсюда вытекают такие современные приёмы, как нарочитая незавершённость рисунка (подробно прорисована только часть, остальное сведено до абстрактных пятен и пустых мест), беглые линии, отделяющие основные части изображения, экспрессивная манера нанесения штрихов, отсутствие (или видимость отсутствия) построения.

2). Эскизность, лёгкость проработки.

Качественная многочасовая тщательная работа не в цене – это скучно и неинтересно, требует больших затрат. А вот рисовать быстро и красиво, а главное, правильно, – вот это задача! А может быть просто всё объясняется банальной экономией времени, сказать сложно. Но факт остаётся фактом – рисование скетчей и быстрых рисунков сейчас востребовано как никогда. Кто бы мог подумать 15 лет назад, когда мы студентами сдавали нормативы по наброскам пачками, что эти ненавистные упражнения станут для многих самоцелью?

3). Повышенная детализация.

По сравнению с рисунками 80-90-хх годов и даже графикой начала 2000-х, где приветствовались обобщения форм и списывание деталей для придания рисунку органичной реалистичности, для облегчения восприятия рисунка зрителем, в современных работах деталей, подробностей, тонкостей очень много. Возможно, это, опять же, мода на самодеятельность, а может просто рисование с фотографии даёт о себе знать. Так или иначе, усиленная детализация сейчас один из трендов в искусстве современного рисунка. Многие авторы не озадачиваются вопросом – нужна эта деталь или нет, почему именно так выглядит та или иная часть модели – часто изображение просто механически копирует модель, стараясь перенести в лист каждый её элемент максимально подробно.

4). Усиленная материальность.

Стекло выглядит глянцево-стеклянным, с перечислением и усилением всех бликов и прозрачных теней, металл отражает всё вокруг, нередко включая и самого художника или совершенно случайные детали, штрихи имитируют переплетения ткани и т. д.. Просто объём в пространстве уже никого не интересует и даже если передача материальности не является основной задачей художника, она почти всегда ярко выражена. Из-за этого иногда нарушается плановость в рисунках художников-самоучек, но это уже не имеет значения. Подобное карандашное мистификаторство особенно ценится любителями гиперреализма и псевдоакадемизма.

5). Эстетизм важнее идеи.

Да, некоторые современные художники отказываются от реалистической трактовки изображения (никогда такого не было!), вместо умелой стилизации уделяют внимание отдельно взятый элементам: линиям, штрихам, характеру пятна. Каждый штрих и мазок в таких рисунках старается быть красивым, эстетичным, что нередко мешает основной задумке рисунка и тем более усложняет его восприятие зрителем. Рисование ради рисования, некое самолюбование художника и демонстрация “а я ещё и вот так могу” выходят на первый план.

6). Обилие фактур и эффектов.

Применение тушёвок и растирок, наложенные в разном порядке, последовательности, направлении штрихи, сочетание мягкого штриха с жёстким, использование карандашной пудры и штриховка резинкой – каких только приёмов рисования карандашом не увидишь на рисунках современных художников. А передача фактуры веснушек, волос, лёгкой небритости, глянцевости глаз и бархатистости кожи в таких работах поражает воображение. В некоторых случаях, наоборот, художники стремятся к некоей экспрессии, не цепляются за натуру, а наоборот, добавляют рисунку энергетической силы и динамики за счёт грубой и экспрессивной трактовки. Тогда в графических работах появляются рваные линии, нарочито грубые штрихи, угловатые формы и характерные экспрессивные черкания и мазки. Так или иначе, фактурам и графическим приёмам уделяется особое внимание.

7). Много внимания авторскому стилю и узнаваемой манере рисования.

В сравнении с предыдущими десятилетиями, когда узнаваемость художника на выставке можно было оценить по характерным сюжетам, гладкости или фактурности письма, подбору красок, то современным автором этого бывает мало. Разработка собственного стиля рисования – для многих авторов задача чуть ли не первостепенной важности. Поэтому художники стараются привнести в свои работы нечто принципиально особенное, всерьёз стараются изменить манеру и характер рисования для того, чтобы выделяться хоть чем-то на общем фоне. Возможно, этот уход в манерность связан с осознанным отказом от академичности и реалистичности в рисунке (кого этим удивишь? А удивлять надо – зрителю скучно). А может это элементарный выход из конкурентной ситуации. Так или иначе, борьба за внимание зрителя даёт свои плоды.

8). Утрированный формат (очень большой или очень маленький).

Отказ от традиционного стандартного формата уже делает рисунок необычным и привлекательным. А если к нему добавить ещё и всё вышеперечисленное, то от недостатка зрительского внимания ни он, ни художник его создавший, точно страдать не будет. Мастеровитость, в смысле тщательность и трудоёмкость исполнения (рисование под микроскопом или погонными метрами) выделяет из ряда просто талантливых. Содержание не имеет значения, основное внимание в современном рисовании уделяется форме исполнения. К тому же на фоне гигантских рисунков так удобно делать селфи, а это дополнительная реклама))).

9). Фрагментарность композиции.

Если всё-таки говорить об организации картинной плоскости, то по сравнению с классической компоновкой объектов в рисунке (чуть выше середины, чуть в сторону от вертикальной осевой, по полям свободные пространства), всё чаще современные художники используют композиционные приёмы из фотоискусства – крупные планы, фрагментарность, монументальность, наличие свободного пятна и т. д.. Всё чаще на выставках, интернет-площадках и в социальных сетях демонстрируются урезанные, фрагментарные рисунки – частично изображённое лицо, цветок макроформата, часть пейзажа. Скорее всего, изменяется мышление самого художника и восприятие зрителя, современный человек живёт в мире масс-медиа и искусство воспринимает по тем же шаблонам.

10). Сюжет тоже имеет значение, особенно в коммерческом искусстве.

К примеру, совсем исчезли традиционные жанровые изображения (картины и станковые графические листы). В приоритете у рисовальщиков натюрморт (предметы), пейзаж (особенно городской и индустриальный), портрет. Думаю, что это происходит во-первых, потому, что такие сюжеты понятны простому обывателю, не придётся долго объяснять, что хотел сказать художник, а во-вторых, они самые коммерчески популярные. Спрос диктует предложение в данном случае.

Получается, что желание удивить, поразить, привлечь больше внимания зрителя становится первостепенной задачей художника и диктует некие правила рисования. Эпатаж во многом сменяет гармоничность восприятия. Мастерство рисовальщика, умение грамотно передавать форму и объём в пространстве, ловить характер модели, грамотно стилизовать, умение тактично обращаться с фактурами – традиционные критерии качества рисунка – уже не имеют того значения, которое придавалось им раньше. Для успешных продаж своих работ и получения заказов художнику приходится изобретать новые средства. Мир меняется, традиции хотя и сохраняются, но интерпретируются в зависимости от задачи. Рисование для души отходит, приходит бизнес в рисовании, но ни то, ни другое не имеют ничего общего с традиционным академическим подходом к рисованию. Рисунок приобретает новые характерные черты, особенности – он меняется вместе со средой, как живой организм. Это нормально. Но всё же не все художники слепо идут за веяниями времени. Очень много мастеров-традиционалистов создают свои рисунки в классической манере. Рядом с оригинальными свежими попытками осмыслить искусство графики, они тоже выглядят необычно. И это здорово! Ведь главное, чтобы рисунки создавались, художники развивались, а время покажет, кто был прав, кто ошибался, а кто сделал настоящее открытие в искусстве.

Если вам понравилась эта статья, сделайте следующее:

1. Поставьте «лайк».

2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.

3. И конечно же, оставьте свой комментарий ниже 🙂

Источник

Это древнему художнику не приходилось думать о выборе инструментов: взял обожженную палку, да царапай стену пещеры, а сегодня достаточно зайти в любой арт-маркет, чтобы глаза разбежались от обилия предложений. С чего же начать, какой инструмент выбрать среди всего этого разнообразия?

Ручки

Самый простой и дешевый вариант. От обыкновенных синих шариковых до разноцветных гелевых. Инструмент позволяет рисовать на обычной офисной бумаге, так что вам не понадобятся дорогие скетчбуки. Одновременно рисунки, выполненные черным линером смотрятся очень стильно и украсят любую страницу инстаграма.

Простые карандаши

Второй очевидный и также не дорогой вариант. Они в любом случае понадобятся вам для предварительных набросков – в этом случае достаточно будет карандаша H или HB, в зависимости от того, насколько тонких линий вы хотите для черновика. Если же вся работа будет выполнятся в карандаше, возьмите несколько штук разной жесткости: от 2H до 6В с шагом в два: 2H, HB, 2B, 4B и 6B – для мягких переходов от света к тени этого будет вполне достаточно.

Вам также пригодится более плотная бумага по типу альбомной или бумаги для черчения, обычная резинка и резинка-клячка. Это потребует немного больших вложений, но все же не разорит вас.

Цветные карандаши

Гораздо более дорогой материал для творчества. Казалось бы, детские карандаши стоят копейки, однако они пылят, создавая грязь, плохо наслаиваются и едва ли позволят вам создать плавные переходы цвета. Для того, чтобы начать учиться стоит потратиться хотя бы на полупрофессиональную линейку. Выбор бумаги – такой же, как и для простых карандашей.

Пастель

Делится на масляную и сухую. Новички, не разобравшись, часто берут в магазине детскую масляную пастель. Ей также можно создавать прекрасные яркие иллюстрации или работы в стиле поп-арт, рисуя мелками как самыми обычными карандашами на самой обычной бумаге.

Сухая пастель используется как мелок, который можно растирать, добиваясь мягких переходов цвета. Она требует особой бумаги и нескольких пастельных карандашей для проработки деталей. Впрочем, для начала можно порисовать и в крафт-альбомах.

Помните только, что пастель сыпется, как и любой мел, и для нее потребуется специальный фиксатив.

Краски

На сегодняшний день их выбор невероятно велик. От классических масляных красок до модного акрила. Но новичкам привычнее и проще взять сначала ученическую

Гуашь

Это знакомая с детства водорастворимая краска. Лучшей на отечественном рынке считается “Мастер Класс” от “Невской палитры”, но чтобы присмотреться к материалу достаточно будет и детского набора. Вам обязательно понадобятся белила, не зря в наборы добавляют целых две баночки. Бумага для гуаши не требовательна, кисти тоже могут быть не дорогими. С этим материалом хорошо писать этюды и учиться смешивать цвета.

Акварель

Материал, знакомый с детства, но на самом деле – очень требовательный и не простой в работе. Если не хотите тратить время на бесплодные попытки добиться приемлемого результата, вложитесь в материалы. Тут важно все: и хорошая бумага (бюджетным вариантом может стать склейка от “Палаццо”), и краски (пусть это будет маленький набор в 12 цветов, но профессиональной серии “Белые ночи”), и кисти (одна хорошая колонковая кисть – средний вариант между очень мягкой белкой и слишком упругой синтетикой).

Масло

Классический материал, требующий уже определенных навыков. Масло предполагает долгую работу и использование растворителей и едва ли подойдет для новичков. К тому же это дорогой материал, требующий немалых вложений.

Акрил

Стал достойной альтернативой масляным краскам. Водорастворимый, пригодный для работы на любой поверхности, светостойкий. Цвет этой краски не меняется при высыхании, она не боится наслаиваний и не трескается. Это дороговатый материал и лучше браться за него, набив руку в гуаши.

Маркеры

Самый модный на сегодня и довольно дорогой инструмент. Спиртовые маркеры требуют для себя соответствующей бумаги. Одновременно они очень просты в использовании, их можно взять с собой куда угодно. Они вполне подходят для городского скетчинга. Новичку стоит брать готовые наборы маркеров или подбирать маркеры по одному так, чтобы у вас было несколько маркеров одного цвета но разного тона.

Как сделать свои картины лучше

Рисуем графитовой пылью

5 правил быстрого скетча

Источник

В последние годы профессия фэшн иллюстратора стала более популярной среди других творческих профессий. За иллюстрации стали хорошо платить, поэтому всё больше людей стараются освоить это ремесло и уйти работать на фриланс.

Фэшн иллюстрация возникла вместе с появлением высокой моды, дизайнеров от-кутюр и коллекций pret-a-porter. Сначала дружба знаменитых художников с модельерами перерастала в сотрудничество – одни рисовали скетчи для коллекций других. Например, Сальвадор Дали делал зарисовки платьев для итальянского кутюрье Эльзы Скьяпарелли. Со временем фэшн иллюстрация стала настолько популярной, что переросла в отдельную профессию.

Большинство иллюстраторов сейчас сотрудничают с крупными брендами, которые специализируются на коллекциях от-кутюр, или с модными изданиями. Иллюстратор может срисовывать уже готовые коллекции или придумывать образы самостоятельно, тем самым вдохновляя кутюрье. Многие художники делают зарисовки знаменитостей на официальных выходах в дизайнерских нарядах или срисовывают моделей, гуляющих по подиуму.

Скетч коллекции Зухейра Мурада, весна-лето 2017. Источник фото: pinterest.com

Так, например, были сделаны скетчи моделей Зухейра Мурада на показе весенне-летней коллекции 2017 года. А позже актриса Лили Коллинз появилась на красной дорожке в платье этого дизайнера и тоже была запечатлена на бумаге.

Чем рисуют иллюстраторы?

В ход идут самые разнообразные материалы: от самых простых до наиболее хитровыдуманных. Используют простой карандаш, гелевые ручки, чернила, акварель, специальные маркеры, цветные карандаши. Всё более популярным становится рисование на планшетах, например, в фотошопе. С точки зрения удобства и практичности планшет гораздо удобнее, но в электронном виде работы становятся как будто бы более “отполированными”.

Один из самых необычных приемов – это использование нестандартного художественного материала, например, лака для ногтей. Рисование модных иллюстраций с помощью лака открыла японская художница Клэйрен Чан. В своих работах Клэйрен научилась использовать прозрачные, глянцевые, матовые и блестящие лаки.

Скетчи иллюстратора Клэйрен Чан. Источник фото: pinterest.com

Работы Клэйрен сразу стали смотреться по другому – более нарядно и помпезно. Рисунки художницы мгновенно разнеслись по Интернету, а на девушку сразу посыпались предложения от дизайнеров Haute Couture по всему миру. Сейчас Клэйрен рисует для Chanel, Dior, Louis Vuitton, Givenchy, а также периодически работает с топовыми глянцевыми изданиями.

Скетчи иллюстратора Клэйрен Чан. Источник фото: pinterest.com

Еще один любопытный художник-иллюстратор – Анна Халаревиц. Девушка была признана как один из трендсеттеров в индустрии иллюстрации и законодателей моды.

Работы Анны в некотором смысле сюрреалистичны. На ее скетчах платье на девушке перерастает в замысловатый цветок, в волосах, прорисованных акварелью отражается бесконечная вселенная с мерцающими звездами, а простые наброски силуэтов словно оживают на бумаге и превращаются в динамичные фигуры, запечатленные в безумной пляске.

Скетчи Анны Халаревиц. Источник фото: topteny.com

Как выработать свой стиль?

По уже ранее увиденным работам можно заметить, что у каждого иллюстратора абсолютно свой стиль, выработанный долгой монотонной практикой. Пожалуй самая главная рекомендация от любого иллюстратора будет просто очень много рисовать и не сильно концентрироваться на собственных недочетах. Стоит много экспериментировать с разными материалами и техниками, прислушиваться к себе и выбирать наиболее для себя подходящие.

Есть художники, которые специализируются только на роскошных коллекциях от-кутюр, а есть более “повседневные”. Как раз один из таких примеров – художница Инсли Фэррис. Девушка руководит собственной дизайнерской компанией и рисует скетчи для журналов в очень простой незамысловатой технике с помощью акварели или маркеров. Художница запечатляет простых девушек в повседневной жизни. В работах Инсли каждая может узнать себя.

Скетчи иллюстратора Инсли Фэррис. Источник фото: topteny.com

Совершенно противоположную технику демонстрирует Пеппа МакМанус. В основном она рисует портретные иллюстрации, детально прорабатывая черты лица с помощью простого карандаша, а одежду, аксессуары и фон оформляет в цвете за счет акварели. Такой дуэт материалов дает узнаваемый результат. Работами Пеппы многие предпочитают украшать интерьер, развешивая их на стены.

Скетчи Пеппы МакМанус. Источник фото: topteny.com

Сколько зарабатывает иллюстратор?

Вопреки сложившемуся стереотипу о том, что каждый художник обязательно должен закончить художественную школу, множество любого рода иллюстраторов сейчас не имеют профессионального художественного образования. В основном художники-иллюстраторы советуют начать самостоятельно практиковаться, изучать позы в статике и в движении, пытаться их срисовывать. Сейчас существует множество бесплатных и платных материалов (в виде онлайн курсов), которые помогут разобраться в азах. А дальше стоит отпустить свою фантазию и продолжать творить, прислушиваясь к себе.

Начинающий иллюстратор может зарабатывать от 500 рублей за скетч, или от 1500 -2000 рублей за иллюстрацию на планшете в компьютерной программе. Продвинутые иллюстраторы могут брать от 5 тысяч за мелкий заказ. А вообще, фиксированной цены за работу иллюстратора не существует, так как не понятно, как именно оценивать работу. Один художник возьмет 10 тысяч за определенный проект, а другой 100 тысяч за ту же самую работу. Парадоксально, что крупные компании предпочитают платить меньше и по фиксированной цене, а проекты стартапы охотно платят больше и чаще всего дают художнику установить свою цену.

Большинство иллюстраторов не привязаны ни к какой компании и работают на фрилансе. Чтобы начать получать заказы, стоит иметь при себе готовое портфолио, которое будет постоянно пополняться и обновляться. Желательно, чтобы это портфолио было размещено на любой публичной платформе. Одни из самых удобных сейчас – инстаграм или собственный сайт.

Ставьте лайк, если вам понравилась и была полезна эта статья, и подписывайтесь на блог, чтобы следить за обновлениями.

Скетч коллекции Berta. Источник фото: pinterest.com

Источник