Картины модные художники великобритании современные
1. Дэвид Хокни
С именем Дэвида Хокни в первую очередь ассоциируются бассейны под синим небом Лос-Анджелеса и молодые купальщики, ныряющие в кристальную воду. В прошлом году Хокни стал самым дорогим художником в истории: его «Портрет художника» (одна из знаковых картин) был продан за рекордные $90 миллионов. Но за жизнерадостным поп-артом, воспевающим калифорнийскую мечту, скрывается сложная натура художника из английской провинции, сублимирующего свои впечатления и переживания в живопись. Картина «Мистер и миссис Кларк и их кот Перси» (1970-1971) на первый взгляд кажется идиллическим кадром из богемной жизни молодой пары. Но уже через секунду конфетно-пастельную тональность картины разрезает ток напряжения между мужем и женой. В этой работе Хокни перевернул «Портрет четы Арнольфини» (1434) фламандца Яна ван Эйка: вместо собаки (символа верности) он разместил на коленях у мистера Кларка белого кота. А большое французское окно разделяет пару, усугубляя психологическую дистанцию между ними.
2. Аниш Капур
Британцы так ценят творчество Капура, что в 2015 году новые паспорта Соединенного Королевства украшали рисунки с его скульптурами. И это неслучайно. Художник прославился работой с трехмерным пространством, но его путь начался с рисунка. Постепенно форма, цвет и объем вырвались из плоскости бумаги и перешли в скульптуры, которые сам Капур называет «необъективными объектами». Объектами – за их простоту и стремление к природным материалам (в этом плане художник не изобретает велосипед и пользуется традиционным гранитом, известняком и пигментированным стеклом). Необъективными – за то, что скульптуры передают нематериальные психологические состояния, которые почти невозможно описать словами.
3. Трейси Эмин
Сегодня Трейси Эмин – одна из двух женщин-профессоров за всю историю Королевской академии художеств, а все начиналось в 1980-х, когда Эмин стала работать в кругу Young British Artists («Молодые британские художники»). Она знаменита своим непринципиальным отношением к художественным медиа: выражать свое бунтарское «я» Эмин может на бумаге или холсте, через видео или фотографию, в неоновых надписях и детских аппликациях. В 1997 году Трейси представила свою первую работу «Все, с кем я спала в 1965–1995». Внутри походной палатки художница наклеила имена всех, с кем она провела в одной постели хотя бы одну ночь. Слово «спала» художница трактовала в прямом смысле – поэтому внутри палатки есть имена ее близких и родственников, любовников, любовниц и нерожденных детей. Через эту работу Эмин показывает универсальную, вселенскую любовь, которая выплескивается далеко за рамки сексуальных связей.
4. Грейсон Перри
Греческие вазы и вышивки – в двух словах о творчестве самого остросоциального британского художника. А если подробнее, то Грейсон Перри использует классические формы (те же вазы), раскрашивая их в сатирические сцены из современной жизни. Таким образом художник спорит с предрассудком о том, что декоративные предметы (что может быть ненужнее огромной вазы и вышивки на всю стену?) не могут транслировать идеи. Поэтому на объектах он запечатлевает эпические сцены на тему мира, войны и трудностей самоидентификации. Работы Перри автобиографичны: в рисунках часто можно увидеть Клэр (женское альтер эго художника) и Алана Мислеса, плюшевого медведя из его детства. Кстати, Перри очень продуктивно исследовал проблему гендера и выпустил цикл документальных фильмов на британском телевидении. И их однозначно стоит посмотреть, чтобы подготовиться к восприятию его искусства.
5. Дэмиен Херст
Дэмиен Херст посвятил свою художественную практику теме смерти. Классический сюжет vanitas о том, что «жизнь – тлен», у Херста выражена в сериях работ: от гигантского чучела акулы до платинового слепка черепа XVIII века с инкрустацией девяти тысяч бриллиантов. Правда, за это произведение его обвинили в плагиате, а провокационную работу художника до сих пор сильно критикуют. Относиться к творчеству Херста можно по-разному, но нужно признать, что ему однозначно удалось стать феноменом художника, способного монетизировать почти все, что угодно. Если хотите разобраться в том, как искусство продается за миллионы, прочитайте книгу «Как продать за $12 миллионов чучело акулы»: ее автор доступно разбирает кейс Херста и на его примере объясняет, как устроена финансовая сторона современного арт-рынка.
Фото: Getty Images
Часто проверяете почту? Пусть там будет что-то интересное от нас.
aramill_stells
Английская современная живопись: Рекс Престон
Четверг, 27 Августа 2015 г. 19:30 (ссылка)
Художник Рекс Престон родился (1948) и вырос в Англии (Ярдли в Бирмингеме), жил в Мидлендсе и Дербишире. Начал обучение искусству в специализированном колледже Дерби. Как и многие молодые художники, после окончания колледжа пытался работать дизайнером в издательстве “Бемроуз Принтерс”. Конечно, у него это неплохо получалось, но живопись манила — и уже в 21 год Рекс бросил работу, чтобы полностью посвятить себя любимому делу. В начале своей карьеры свободного художника Престон работал в разных жанрах, но постепенно любовь к сельской местности привела его к рисованию пейзажей. Сильное влияние на его творчество также оказало то, что он жил в живописном месте у реки в Дербшире. Непрерывное наблюдение за капризами изменчивой погоды и природой сформировало его стиль живописи.Престон часто путешествует по стране, чтобы найти новые места или посетить любимые области, вроде Корнуолла или Озерного Края. В последние годы к списку любимых мест художника добавились Норфолк и Пемброкшир. Вообще, Престон любит писать все – от гористых пейзажей Шотландии до корнуолльских холмов, покрытых весенними цветами.
Его пейзажи очень естественны, в них чувствуется большая любовь к родному краю. Рекс порой специально путешествует, чтобы увидеть английские пейзажи и запечатлеть их. Однако чаще всего работа происходит в студии. Во время поездок погода зачастую не дает полноценно работать, поэтому Рекс Престон чаще всего ездит налегке и делает лишь наброски. Эскизы позволяют схватить мгновение, уловить то, что поразило больше всего.
А затем в мастерской, глядя на эскиз, Рекс вспоминает увиденную картину и свои ощущения, и воплощает на холсте. Чаще всего Престон пишет маслом, хотя иногда обращается к акварели и акрилу. Его пейзажи насыщены цветом, светом. Огромные воздушные пространства, прекрасные перспективы, яркие краски…
Читать далее…
Live_Memory (Автор -Marginalisimus)
Английская художница Энн Блокли. Часть-1. Пейзажи.
Воскресенье, 15 Июня 2014 г. 08:52 (ссылка)
Английская художница Энн Блокли (Ann Blockley) более тридцати лет занимается профессиональной живописью. Она работает акварелью и смешанной техникой, выработав свой индивидуальный стиль живописи. Ее картины вызывают в памяти , атмосферные и интуитивно понятным. Источник её вдохновения-это цветы и природа, сады и сельские пейзажи недалеко от ее студии Cotswold. Энн получила всемирную известность благодаря своей цветочной живописи, но её пейзажи и картины с животными также любимы коллекционерами живописи.
В своих картинах Энн использует живописные текстуры, акварель в свободном и текущем стиле для создания нетрадиционных текстурированных изображений, а иногда и включает в картину сложные коллажи. Она постоянно находится в поиске и продолжает экспериментировать.
Читать далее…
Live_Memory (Автор -kayros)
Английский художник Carne Griffiths
Вторник, 16 Августа 2011 г. 20:58 (ссылка)
Английский художник Carne Griffiths родился в Ливерпуле и все свое детство увлекался рисованием. В 1992 году он окончил колледж искусств Майдстоун (Maidstone college of Art). На его творчество огромное влияние имели произведения таких всемирно признанных художников, как Андре Массон, Пауль Клее и Леонардо Да Винчи, а также менее знаменитых художников: Адольфа Уолфли ( Adolf Wolfli), Скотти Уилсон (Scottie Wilson), Генри Дарджера (Henry Darger ) и рисунки Антонена Арто (Antonin Artaud). В 1997 году английский художник Карн переезжает в восточный Лондон, где продолжает обучение в компании M. Hand & Company под руководством художника Кена Майлза (Ken Miles). Эта компания занималась производством ручной вышивки. Двенадцатилетняя карьера Гриффитса сделала его креативным директором. Под его руководством были разработаны ткани с рисованной вышивкой для целого ряда престижных клиентов, включая Его Королевское Высочество Принца Уэльского, Султана Омана, Ральф Лорен, Том Форд, Asprey, Chanel, Burberry , а также костюмы для фильмов Последний король Шотландии, Валькирия, Призрак Оперы. |
Читать далее…
Ostreuss
Разобрать и собрать обратно
Суббота, 05 Апреля 2008 г. 23:09 (ссылка)
Полгода назад я вяло отмахивался от лихой атаки Юрия Косаговского на фотореализм. Обаятельные английские художники, кучкующиеся близ г.Колчестера (www.chappelgalleries.co.uk) всем поднимут тонус. Заодно и поковыряюсь в реализме.
Начну издалека- со знаменитого “Поклонения младенцу” Гуго ван дер Гуса (фргамент)…
… и наиболее знамениты здесь цветочки внизу. Вот этот кусочек:
Здесь впервые достигнута выдающаяся стадия, я бы сказал, фотореализма. Интересно, что Гус не может изобразить травы, ему по силам лишь несколько цветочков. Возьмём какого-нибудь голландца и посмотрим на дерево:
(Альберт Кейп). Реалистично, или нет? Нет. Листья на деревьях растут не так – они развернуты к свету, а не к зрителю.
Хороший голландец фотореалистично нарисует лист, ветку. Дерево – никогда.
Таким образом, голландцы анализировали мир, разбирали его по частям. А потом пытались собрать обратно. И тут уйма – лишних шестеренок…
То есть, бывает реализм аналитический, когда кто-то замечает ту сторону реальности, которую ещё никто не осознал. Левитаны там разные… Бывает гиперреализм, когда художник пишет так. что бы не отличаться от фотоаппарата. И бывает третий реализм, созданный. Попытка собрать мир самостоятельно.
Вот он для меня – главный. Я не просто Хомо, я ж ведь, блин, сапиенс!
Глядя на акварели англичанина Владислава Мирецкого (родители – поляки) я вижу этот третий реализм. Созданный мир, пропущенный через сознание. Каждой веточке дано название, она занесена в некий каталог в мозгу, а затем выложена обратно:
Это для меня очень важно. Что должено быть сложено? Какие бы веточки я выбрал, а какие – забраковал для своего мира?
С Мирецкого я и начну обзор Шапель Галереи. Дальше слов очень немного. а картинок ~30 на 3,2 Mb
В 1980-е Британия переживала радикальные политические и экономические изменения. Британское искусство тоже искало новые пути. Это время стало периодом расцвета для Голдсмитского колледжа (Goldsmiths College), входящего в Лондонский университет и предлагавшего очень прогрессивную программу обучения искусству под влиянием выдающихся педагогов таких, как Майкл Крейг Мартин. Результатом этого стал всплеск постмодернистского искусства, выразившийся в появлении нового поколения художников. Они получили название «Молодые Британские Художники» (Young British Artists, YBA) или Брит-арт (Brit-Art).
Марк Уоллингер. «Государство Британия».Эти художники имели мало общего, кроме молодости и приверженности постмодернистским практикам. Они работали в самых разнообразных медиа – живопись, скульптура, фотография, видео-арт, инсталляции, концептуальное искусство. Произведения Брит-арта могли включать в себя: личинки, трупы животных (Херст); куски зданий (Рейчел Уайтреад); не заправленную кровать, со следами мочи, семенной жидкости, использованных презервативов (Трейси Эмин); навоз слона (Крис Офили); замороженную человеческую кровь (Марк Куинн). Это лишь некоторые из многих и разнообразных материалов, которыми новое британское искусство шокировало зрителя.
Инсталляция Трейси ЭминХудожники несомненно подвергались серьезной критике за отсутствие мастерства и других художественных качеств. Тем не менее, профессиональное сообщество, а также многие другие, с большим энтузиазмом восприняли их искусство. Одной из причин этому стало то, что Молодые британские художники обновили и оживили почти все средства современного искусства, заметно увеличив число его поклонников.
Автопортрет Марка Куинна, который он в течение года наполнял собственной кровью
Со становлением значимости движения молодых британских художников в истории искусства связывают три выставки: Freeze в 1988, «Современная медицина» в 1990, куратором обеих стал неизвестный студент Голдсмитского колледжа Дэмьен Херст, а также выставка «Сенсация» в Королевской Академии в 1997 г. Выставки, организуемые выпускниками Голдсмитского колледжа, общее количество которых было около 50 человек, разительно отличались от того, что показывалось тогда в галереях современного искусства.
Выставка Freeze прошла в июле 1988 г. в пустом здании администрации лондонского порта в лондонских доках. Куратор выставки Дэмиен Херст показал работы шестнадцати других студентов Голдсмитского колледжа и собственное творение – композицию из картонных коробок, раскрашенных малярными латексными красками.
Как куратор Херст лично отбирал работы, заказывал каталог и планировал церемонию открытия. Freeze стала стартовой точкой для молодых британских художников.
Рейчел Уайтред. «Без названия» («Прозрачный торс»). 1993. Выставка не имела широкого паблисити в СМИ, тем не менее Херст сумел договориться, чтобы ее посетили некоторые авторитетные представители художественного сообщества, включая Чарльза Саатчи, который приобрел большую часть экспонатов. Оглядываясь назад, он вспоминал, что не художественное качество искусства побудило его к покупке, а «обнадеживающая хватка нового искусства». Британское искусство с тех пор стало синонимом радикального высказывания.
Марк Куинн. «Эволюция».
После выпуска из Голдсмитского колледжа в 1989 году Херст курирует в промышленных пространствах еще две значимых выставки. «Авантюра» (Gamble), организованная в 1990-м, в ангаре заброшенного здании завода Bermondsey вместе с Карлом Фридманом. И «Современная медицина» тоже в 1990-м, на которой Саатчи оказывается заворожен его инсталляцией «Тысяча лет» – наглядное изображение жизни и смерти, приобретение которой стало началом долгого и плодотворного сотрудничества между галеристом и художником. Уже на деньги Саатчи, в 1991 году Херст создает свою знаменитую инсталляцию «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», представляющую собой аквариум с тигровой акулой, длиной 4,3 метра.
Работа обошлась Саатчи в 50 000 фунтов. Акула была поймана уполномоченным рыбаком в Австралии и имела цену в 6 000 фунтов. За эту работу Херст был номинирован на премию Тернера. Сегодня эта инсталляция широко известна тем, что была продана в декабре 2004 года коллекционеру Стиву Коэну за 12 миллионов долларов.
Международное признание приходит к Херсту в 1993 году на Биеннале в Венеции в рамках секции молодых художников, которую курировал куратор Франческо Бонами. Херст выставляет инсталляцию «Разделенные мать и дитя», представлявшую собой части коровы и теленка, помещенные в раздельные аквариумы с формальдегидом.
В результате, коммерческие галереи, такие как Serpentaine или Shoreditch обращают свое внимание на новое британское искусство и делают из него бренд. Молодое британское искусство стало поводом для появления нового поколения современных галерей, таких как «Белый куб» Джея Джоплинга, галереи Victoria Miro, Karsten Schubert, Sadie Coles, Maureen Paley’s Interim Art, Antony Wilkinson Gallery, а также стимулировали широкое распространение британских журналов об искусстве Frieze, Art Monthly, Art Review, Modern Painters, Contemporary Art. Журнал Frieze в 2000-е перерастет в одну из престижнейших мировых арт-ярмарок.
Марк Куинн. Археология социальных сетей. 2019.С 1984 г. ведет свою историю Премия Тернера в области современного искусства для британских художников, сегодня одна из самых авторитетных в мире, а также одна из самых скандальных. На нее номинируется, как правило, самое радикальное искусство, неудивительно, что молодые британские художики не раз были среди номинатов.
Лауреатами Премии Тернера в разные годы были Рейчел Уайтреад (1993), Дэмиен Херст (1995), Дуглас Гордон (1996), Джиллиан Норинг (1997), Крис Офили (1998), Стив Маккуин (1999), Марк Валлингер (2007).
Учеба в Royal College of Art: культурное разнообразие и протекающие потолки. Читать далее.
Европейские художники начали использовать масляную краску в XV веке, и с тех самых пор именно с ее помощью создавались самые знаменитые картины всех времен. Но и в наши высокотехнологичные дни масло по-прежнему сохраняет очарование и загадку, а художники продолжают изобретать новые техники, разрывая шаблоны и раздвигая границы современного искусства.
Объемные пейзажи Юстины Копаня
Обладательница невероятного навыка польская художница Юстина Копаня (Justyna Kopania) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах.
Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд.
Теплая простота Валентина Губарева
Художник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах.
Чувственный реализм Сергея Маршенникова
Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника — Наталья.
Близорукий мир Филипа Барлоу
В современную эпоху картинок высокого разрешения и расцвета гиперреализма творчество Филипа Барлоу (Philip Barlow) сразу привлекает внимание. Однако от зрителя требуется определенное усилие для того, чтобы заставить себя смотреть на размытые силуэты и яркие пятна на полотнах автора. Наверное, так видят мир без очков и контактных линз люди, страдающие близорукостью.
Солнечные зайчики Лорана Парселье
Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) — это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.
Динамика города в работах Джереми Манна
Маслом на деревянных панелях американский художник Джереми Манн (Jeremy Mann) пишет динамичные портреты современного мегаполиса. «Абстрактные формы, линии, контраст светлых и темных пятен — все создает картину, которая вызывает то чувство, которое человек испытывает в толпе и суматохе города, но также может выразить и спокойствие, которое обретается при созерцании тихой красоты», – говорит художник.
Иллюзорный мир Нила Саймона
На картинах британского художника Нила Саймона (Neil Simone) все не так, как кажется на первый взгляд. «Для меня мир вокруг — это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», — говорит Саймон. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга.
Любовная драма Жозефа Лорассо
Итальянец по происхождению современный американский художник Жозеф Лорассо (Joseph Lorusso) переносит на холст сюжеты, подсмотренные им в повседневной жизни обычных людей. Объятия и поцелуи, страстные порывы, минутки нежности и желания наполняют его эмоциональные картины.
Деревенская жизнь Дмитрия Лёвина
Дмитрий Лёвин — признанный мастер русского пейзажа, зарекомендовавший себя как талантливый представитель русской реалистической школы. Важнейший источник его искусства — привязанность к природе, которую он нежно и страстно любит и частью которой себя ощущает.
Яркий восток Валерия Блохина
На Востоке все иначе: другие краски, другой воздух, другие жизненные ценности и реальность сказочнее вымысла — так считает современный художник Валерий Блохин. В живописи Валерий больше всего любит цвет. Его работа — это всегда эксперимент: он идет не от фигуры, как большинство художников, а от цветового пятна. У Блохина своя особая техника: сначала он наносит на полотно абстрактные пятна, а затем дорисовывает реальность.
Экспрессивная романтика Алексея Чернигина
На большинстве картин Алексея Чернигина маслом на холсте запечатлены красота, романтика и мгновения истинных чувств. Свой талант и тягу к искусству Алексей Чернигин унаследовал от отца — известного российского художника Александра Чернигина. Ежегодно они устраивают совместную выставку в своем родном Нижнем Новгороде.