Кто модный портретист эпохи возрождения
Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV—XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.
Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.
Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).
Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.
Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет ! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.
Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.
Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.
Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.
Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.
1. Джотто (1267—1337).
Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. Лувр, Париж.
XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.
До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.
Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.
И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.
Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.
Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.
Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.
Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.
Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.
О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.
Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.
Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.
2. Мазаччо (1401—1428).
Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425—1427. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.
Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.
Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.
Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425—1427. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.
Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.
Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.
Мазаччо. Крещение неофитов. 1426—1427. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.
Также Мазаччо добавил выразительности не только лицам, но и телам. Эмоции людей мы уже читаем по позам и жестам. Как, например, мужское отчаяние Адама и женскую пристыженность Евы на самой знаменитой его фреске.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426—1427. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.
Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.
Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.
Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.
О фреске мастера читайте в статье “Изгнание из Рая” Мазаччо. Почему это шедевр”.
3. Леонардо да Винчи (1452—1519).
Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512. Королевская библиотека в Турине, Италия.
Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.
Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.
Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.
Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.
Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489—1490. Музей Черторыйских, Краков.
Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.
До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.
Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.
Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.
Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.
Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.
О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Мона Лиза Леонардо да Винчи. Загадка Джоконды, о которой мало говорят”.
4. Микеланджело (1475—1564).
Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.
Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.
Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.
Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.
Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.
Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.
Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.
Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511. Сикстинская капелла, Ватикан.
Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.
Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.
В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.
Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции . Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.
Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.
5. Рафаэль (1483—1520).
Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.
Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.
Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.
Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.
Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.
Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен.
О самых знаменитых картинах Рафаэля читайте в статье “Портреты Рафаэля. Друзья, возлюбленные, покровители”.
6. Тициан (1488-1576).
Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.
За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.
Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.
Тициан. Вознесение Марии. 1515—1518. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.
К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.
Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.
Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников XIX века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.
О знаменитом шедевре мастера читайте в статье “Венера Урбинская Тициана. 5 необычных фактов”.
***
Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.
Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?
Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.
Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.
Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Автор: Оксана Копенкина
Перейти на главную страницу
Английская версия статьи
Эпоха Ренессанса. Философия, живопись, мировоззрение
Под эпохой Возрождения понимают период, начавшийся примерно в XIV веке и завершившейся в конце XVI, традиционно ассоциирующийся прежде всего с итальянским регионом. Идеи и образы Ренессанса во многом определили эстетические идеалы современного человека, его чувство гармонии, меры и ощущение прекрасного.
Термин rinascita (возрождение) вводит в обиход Джорджо Вазари, противопоставляя новое искусство, возрождающее античную культуру «тёмному Средневековью». Кстати, «тёмным» Средневековье прозвали тоже деятели Ренессанса, надолго закрепив негативное отношение к средним векам. Если б они знали, что сегодня, вводя в поисковик «искусство средних веков», по ссылкам примерно на 70% мы увидим живопись Ренессанса, то, наверняка, возмутились бы.
Эпоху Возрождения исторически чаще всего относят к позднему Средневековью, считая этот период «мостиком» к Новому времени. Однако мировоззренчески тяготеет, всё-таки, к Новому времени и именно кватроченто формирует эстетические каноны современного человека, которые накрепко заcели в нашем сознании. Что греха таить, эстетические революции ХХ века не смогли затмить и вытеснить революцию Ренессанса.
Хронология Ренессанса:
Проторенессанс (2-я половина XIII века — XIV век)
Раннее (начало XIV — 1-я пол. XV века)
Высокое (XV — первая треть XVI века)
Позднее (середина XVI — 1590-е годы)
Основные черты эпохи:
— Начиная со времен проторенессанса, обращение к античному наследию: искусству и философии древней Греции и Рима. Если в Средние века схоластика обращается к трудам Аристотеля, то Возрождение восхваляет Платона и неоплатонизм;
— Возрождение — время перехода от художника-ремесленника к художнику-творцу, от безымянного мастера к автору. Человек становится подобным богу, он творец на земле, он высшее существо, созданное всевышним. Ценится уникальность человеческой личности. Эта черта называется антропоцентризмом (антропос — человек);
— Ренессанс во главе угла ставит не богословие, а искусство и философию. Преобладание светского над религиозным. Человек Ренессанса — универсально образованная личность, отсюда и гуманизм Возрождения. Происхождение уже не так важно, а важно то, насколько ты талантлив. Поэтому многие деятели Ренессанса далеко не из благородных семей.
Италия и Ренессанс
Родиной Ренессанса считают Италию, ведь именно Италия в западноевропейском пространстве — прямая наследница античной культуры. Проторенессанс с его возросшей по сравнению с прошлыми традициями в живописи светскостью о времена дученто (1200-е) и треченто (1300-е) проложил дорогу новому гуманизму.
Примечательно, что Рим — вечный город, пребывавший тысячелетие под гнётом варваров, — никогда не забывал о былой славе, однако первенство в возрождении античной мысли принадлежало не Риму, а Флоренции. Во Флоренции творят титаны Возрождения: Брунеллески, Альберти, Донателло, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль. Во Флоренции впервые были переведены на латынь Платон и другие греческие философы. Византийский философ Геместий Плетон, флорентийцы Марсилио Фичино, Пико делла Мирандолла с лёгкой руки главного мецената Ренессанса Лоренцо Медичи, Лоренцо Великолепного основывают так называемую «Платоновскую академию», где делятся своими новаторскими гуманистическими идеями. Собственно, мыслителей Ренессанса называют не сколько философами, сколько гуманистами, так как цельной философской системы у многих из них не было.
Потрет Пико делла Мирандоллы из серии Джовио
Гуманизм эпохи Возрождения имел особое значение и особую трактовку.
— Активно обращаясь ко всем временам, вырабатывая «избыток видения» в сфере символического, Ренессанс развивает в себе и особого рода проницательную дипломатическую учтивость. Эта учтивость и является одной из главных черт «гуманизма». Ренессансный гуманизм — это не прославление человеческого, гуманоцентризм, сокрушающий тёмные века, всё это привнесённые в это понятие веяния эпохи Просвещения. Античное же хуманитас, ближайшим аналогом было греческое слово «воспитание», подразумевает, прежде всего, достоинство, доброту, образованность, учтивость, вежливость.
А. Ф. Лосев «Эстетика Возрождения»
Время перелома.
Проторенессанс (XIII — XIV ст.) не просто заложил основы для будущего переворота, это время рождения кардинально новых идей. С одной стороны, утверждение схоластики с её девизом Фомы Аквинского «Философия — служанка богословия», с другой стороны — её отрицание. Такие философы, как шотландец Дунс Скотт, немецкий мистик Мастер Экхарт, Николай Кузанский формируют абсолютно новое представление о человеке и его месте в мироздании. Человек становится не просто твореньем божьим (тварным существом), человек — личность, через которую бог познаёт самого себя, через которого бог проявляет себя во всей своей полноте. Философия Николая Кузанского оказала огромное влияние на искусство северного Возрождения, наполненное пантеизмом и божественным началом.
Николай Кузанский (ок. 1480. Деталь работы художника, известного под псевдонимом «Мастер жития́ Марии»)
В работах основоположников северного Возрождения Робера Кампена и Рогира ван дер Вейдена хорошо видно, как воплотилась та же идея пантеизма в живописи.
Также прекрасным примером служит работа неизвестного нидерландского мастера XV «Мадонна смирения». Это уже не схематично-сакральное изображение византийских икон. Мадонна по-матерински нежно смотрит на маленького Христа, в руках которого плод яблока — символ спасения. Но он не нарочито демонстрирует его зрителю, а, как ребёнок, играет с ним. Предметы словно живут своей тихой жизнью, ненавязчиво раскрывая образ. Такое изображение Мадонны в закрытом саду намекает на девственное зачатие Марии, а белые лилии олицетворяют её невинность. Маленькие красные цветочки — символ жертвенной крови Иисуса.
Вообще, чтобы понять живопись Ренессанса, в неё нужно всматриваться. Знаменитая фраза Аби Варбурга «бог в деталях» имеет прямое отношение к ренессансному искусству.
Данте и Джотто.
Проторенессанс традиционно связывают с Италией. Кроме философов, литераторов, проторенессанс связывают и с именами архитекторов Никколо и Джованни Пизано, а также с именами художников. Порой творцы объединяются, совместно развивая идеи каждый в своем жанре. Предвестником эпохи Возрождения в литературе считают Данте Алигьери, а в живописи — Джотто ди Бондоне. Имя именно этого художника приводят для пояснения градации и терминов проторенессанса. Будучи друзьями, Данте и Джотто сумели создать новый язык и новую образность. «Божественная комедия», написанная Данте в изгнании, является не традиционным средневековым клерикальным жанром видения, где святой или ангел спускается в адские глубины. Это путешествие по аду самого автора, и сопровождает его не кто иной, как язычник — римский поэт Вергилий. «Комедия» (именно так изначально называлось произведение, эпитет «божественная» появился чуть позже), наполнена аллегориями и анахронизмом. В ад Данте помещает не только давно ушедших грешников, но и своих ещё живых современников, которые по политическим причинам были врагами поэта. При этом, спускаясь всё глубже, Данте не может скрыть своего сочувствия многим страдающим, и это важный момент личного соучастия и индивидуального переживания. Круги ада Данте переданы в подробностях и деталях, словно он на самом деле побывал там.
Сандро Боттичелли. Инферно (Карта ада), 1480-90
Схожая материальность и реалистичность появляется во фресках Джотто. Одна из самых экспрессивных джоттовских работ «Оплакивание Христа» демонстрирует эмоциональные нюансы переживания святых и страждущих ангелов. На этой фреске мастер треченто создаёт широкий спектр чувств, разнообразя своих скорбящих героев.
Что же касается новаторства визуального языка, Джотто — первый художник, отказавшийся от золотого фона в пользу голубеющего неба, в его живописи появляется пейзажность и намёк на перспективу и объём. А в падуанских фресках «Страшный суд» Джотто пишет свой , по крайней мере, так принято считать в искусствознании и, помещает себя в ряд праведников. Вслед за ним этот приём активно будет использовать кватроченто, всё больше снимая дистанцию между сакральным и профанным.
Ощущение конечности человеческого бытия
Превознося человеческую личность, создавая образ богоподобного творца, Ренессанс также остро ощущал конечность человеческой жизни. Этот трагизм остро выражен в поэзии творца новой европейской лирики — Франческо Петрарки. В ряде его сонетов он одновременно желает избавится от любовных мук, обретя смерть, но также даёт понять, что по ту сторону бытия — неведомый мир. Его сонеты одухотворены и в тоже время очень понятны современному читателю, потому что он описывает чувства живого человека.
Его младший современник Джованни Боккаччо, основоположник современной новеллы, пишет ироничный и философичный сборник «Декамерон», в котором уже появляется психологизм, пусть и схематичный. Самое главное здесь — отсутствие традиционной для итальянской новеллы дидактики. Десять героев «Декамерона» во время чумы (кары господней) уезжают за город и в течении десяти дней рассказывают друг другу жизнеутверждающие рассказы, полные романтики и эротики. В этом сборнике рассказов чётко прослеживается мнение самого автора. Боккаччо рассуждает о том, что бог создал мужчину — мужчиной, а женщину — женщиной и что от чумы в конечном итоге умирают и праведники и грешники. Так почему бы не вступить в схватку с этой напастью и не получать удовольствие от жизни, которая и так пройдёт?
Похожие умонастроения мы видим в живописи Мазаччо во фреске «Троица». Тут уже появляется новаторская передача перспективы и гармоничное интегрирование в неё фигур людей: вместо искусственного выделения значимости фигур «по рангу» путем искажения размеров, бог отец, бог сын, Дева Мария, апостол Иоанн и донаторы написаны в одном и том же размере. Мазаччо лишь помещает их на разную высоту. В самом низу — гроб с Адамом, первым человеком с надписью: «Я был, как вы, вы будете, как я». Как видим, мотив mеmento mori, который позже так полюбит XVII век, начинает проявляется уже в раннем Ренессансе. И одой человеческой смерти служит работа Андреа Мантеньи «Мёртвый Христос». Необычный ракурс даёт возможность увидеть Иисуса не как схематичный профильный отстранённый образ, а как тело, лежащие перед нами. Умиротворённое, спокойное выражение лица Христа резко контрастирует со страдающей Марией и Иоанном. Сразу видно, в этой комнате правит балом смерть.
Перспектива
Прямая и линейная перспектива — находка и культ Ренессанса. Художники кватроченто демонстрируют своё мастерство владения и знания перспективы. Для средневекового человека небо обладало особым притяжением, для человека Ренессанса таким притяжением обладает линия горизонта и ландшафт. С помощью научного знания, геометрии и математики художники создают идеальный мир, не просто подражающей природе, а преображающий её.
Первая формулировка о перспективе принадлежит флорентийскому архитектору Филиппо Брунеллески. Однако Брунеллески не объяснял действия законов перспективы. Это сделал в трактате «О живописи» архитектор и писатель Леон Баттиста Альберти. Альберти называет перспективу «окном», через которое мы смотрим в пространство, это определение несёт в себе не только описательный, но и философский смысл. Используя обратную перспективу, помещала человека в свой небесный мир, создавая эффект «здесь-бытия». Картина кватроченто отчуждает пространство живописи от пространства зрителя, демонстрируя мир на картине, уходящий в другое измерение — измерение художественное. Огромное внимание перспективе уделял Паоло Уччелло, мастер раннего Возрождения. Со слов Вазари известно, что он днями напролёт чертил, соединял прямые, выписывал архитектурные элементы. В его живописи нет ещё той идеальной перспективы высокого Ренессанса, но уже видны определённые наработки: фигуры, расположенные ближе к зрителю, большего размера, удалённые — уменьшаются в зависимости от их места на полотне, а не статуса.
Пьеро делла Франческа — ещё один мастер, которого по праву называют «отцом» линейной перспективы. Он пишет трактат «О перспективе в живописи», где учение о перспективе выводит на теоретически-практический уровень. В северном Возрождении проблемой перспективы подробно занимался Альбрехт Дюрер. И, разумеется, один из самых известных деятелей Ренессанса — Леонардо да Винчи не обошел вниманием этот вопрос и написал труд «О живописи и перспективе», в котором полемизировал со своими предшественниками, выделив три вида перспективы: линейную, воздушную и живописную.
в эпоху Возрождения
Долгий период Средневековья не знал портретного жанра. Изображаться достойны были только персонажи Библии, а так как они представители божественного мира, то и изображения их условны, каноничны и символичны. Первые скульптурные портреты стали появляться в готических соборах. Средневековый очень универсален и связан с сословной иерархией, чаще всего это были представители власти и рыцарства. в портрете — черта Ренессанса. Первые портретные изображения — профильны, но уже в них можно видеть индивидуализацию портретируемого. «Портрет Сигизмундо Малатеста» Пьеро делла Франческа — прекрасный пример такого портрета, где перед нами изображена очень противоречивая личность. Малатеста был гуманистом и одним из меценатов Возрождения, он же — кондотьер и жестокий убийца, поэтому его внутренняя суровость не ускользнула от взгляда делла Франчески.
Помимо характерных нюансов внешности важную роль играет и символизм. «Портрет Козимо Медичи» кисти Якопо Паторно, написанный спустя более чем полвека после смерти Козимо, демонстрирует немного осунувшуюся фигуру пожилого человека, смотрящего на лавровое дерево — эмблему рода Медичи, античный символ славы, а в период Ренессанса лавром венчали поэтов. В дерево вплетены строки из «Энеиды» Вергилия, напоминающие ещё раз о любви Козимо и всей эпохи к Античности.
Якопо Паторно. Козимо Медичи
Постепенно портретируемый поворачивается лицом к зрителю и, конечно, это связано с переменой в мировоззрении. Андреа Соларио « мужчины с розовой гвоздикой» — это воплощение ренессансного отношение к человеку на портрете, где типичное и характерное, человеческое, сочетается с надменным благородством и отстранённостью.
Высшая точкой портретного искусства кватроченто — «Мона Лиза», притягивающая зрителя своей загадочностью и таинственностью.
Черты реальных людей просматривались не только на портретах, но и в религиозных образах. Скромная роль донатора заменяется победой мирского над надмирным и в образах Мадонн и святых всё больше узнают реальных людей. Например, в работе Боттичелли «Поклонение волхвов» изображен целый семейный династии Медичи и автопортрет самого художника. В правом углу на римских руинах восседает павлин — символ бессмертия, бессмертия не только христианской веры, но и флорентийской династии.
«Весна» и «Венера» Боттичелли
В эпоху Возрождения античная мифология переплетается с христианством, трактовки образов становятся многозначными и важную роль в иконографии Ренессанса занимает богиня любви, ассоциативно связанная с Природой (натурой). Если в средневековом понимании Венера — удел плотских утех, то кватроченто делает из богини идеал духовности, и главную роль в формировании такого идеала сыграл Сандро Боттичелли. Считается, что «Рождение Венеры» и «Весна» написаны для семьи Медичи и сами работы между собой перекликаются. Любимой моделью Боттичелли была красавица флорентийского двора Симонетта Виспуччи, возлюбленная Джулиано Медичи. Лицо этой дамы украшает многие картины художника, где она предстаёт то в облике богини любви, то в облике Мадонны. «Венера» объединяет между собой два начала: христианское и языческое, но язычество облагороженное, христианизированное. Однако некоторые моменты языческого понимания мира мы тут находим. Облик «Венеры» близок возвышенному облику девы Марии — об этом нам, прежде всего, говорит наклон головы. Стыдливая поза созвучна античной скульптуре «Капитолийская Венера». Рождённая из пены богиня, подгоняема Зефиром и его супругой Флорой, которая осыпает пенорождённую розами. Роза — цветок символичный, он изображается, как с Венерой, так и с Мадонной. Нимфа принимает богиню любви на берегу и накидывает на неё покрывало. По мнению Эрнста Гомбриха в подобные покрывала в древней Греции заворачивали новорождённых и умерших, он же проводит параллель изображения «Венеры» и «Крещения», где схожесть в иконографии очевидна. В данном случае рождение и крещение — это переход из одного состояния в другое.
«Весна» углубляет тему такого перехода, и мы видим Венеру в центре с характерным для христианства жестом благословения. О том, что это именно Венера, нам говорит Купидон — спутник богини, целящийся в одну их Граций. Трёх граций часто связывают с разными формами любви. За спиной Венеры — апельсиновое дерево: символ девы Марии и Медичи, деревья ассоциативно напоминают изображение Марии в закрытом саду, олицетворяющие её невинность. Справа — Зефир и нимфа Хлора, перерождающаяся во Флору — это переход от земного к небесному. Меркурий в античности считался посредником между небом, землёй и подземным царством. Замкнутое изображение напоминает о цикличности и вечном перерождении. В данном случае Боттичелли пишет не райский сад и райский уголок, свойственный христианскому мировоззрению, а рождающуюся и умирающую природу, присущую языческому пониманию.
Шпаргалка Архива. Важные открытия Ренессанса
— В эпоху Возрождения происходит переход от геоцентрической модели мира к гелиоцентрической. Пострадавший от инквизиции Джордано Бруно открывает новые потенциально возможные миры и Земля становится не единственной планетой, которую создал бог.
— Новый мир открывается Колумбом в 1492 году и некоторые историки отсчитывают Новое время именно с открытия Америки.
— Развивается археология, книгопечатание, национальные языки приобретают совершенно новый статус.
— Смещается центр власти от церковной — к светской.
— Искусство, наука, философия освобождаются от богословия и становятся доминантой общественной жизни.
Вы профан, если:
— Считаете, что эпоха Возрождения — сугубо итальянское явление;
— Думаете, что инквизиция — удел Средневековья.
Вы эксперт, если:
— Знаете, что Возрождение — первая эпоха, давшая себе самоназвание;
— Знаете, что масляные краски стали применять в эпоху Возрождения;
— Любите вглядываться в детали картин проторенессанса, Ренессанса и знаете о символической подоплеке многих из них.