Модные тенденции в мире искусства
Триумфальное возвращение классической картины; digital-революция имени Энди Уорхола и другие любопытные вещи, которые происходят в мире изящных искусств
Современное искусство больше не современно. Сontemporary art со всеми своими постмодернистскими трюками было придумано век назад.
Освежеванные туши коров, видеоперформансы, – поначалу это было увлекательно, но возникает вопрос, что же дальше. Смогут ли художники придумать что-то еще более абстрактное и непостижимое, чем квадрат Казимира Малевича и брызги Джексона Поллока?
Think outside the box, – советовал небезызвестный Бэнкси. Новые тренды в искусстве и арт-рынке пришли с неожиданной стороны.
Тренд № 1.
Рисованная картина: возвращение на трон
По мнению критиков, картина еще недавно «умирала», вытесняясь другими видами искусства – видеоартом, инсталляцией… В конце нулевых ситуация кардинально поменялась: картина возродилась как жанр.
Граница между fine art («изящное искусство», сделанное по старинке, кистью по холсту) и актуальным искусством (с его нарочитым безумием и нонкоформизмом) – внезапно куда-то улетучилась.
Зрители, а в первую очередь – сами художники – страшно соскучились по картинам в традиционном смысле. И выясняется, что здесь еще далеко не все сказано.
Однако, чтобы привлечь к себе внимание на гигантском, перенасыщенном арт-рынке, картина должна быть действительно талантливой.
Чешские художники Светлана Курмаз и Александр Сохт – яркие представители нового тренда. Знаменитые в Европе и США, они почти неизвестны в России, хоть и родом из Краснодарского края.
Супружеская пара давно эмигрировала в Прагу. Довольно быстро их работы обрели успех у западного сообщества.
Русские эмигранты с непростой судьбой теперь входят в список самых востребованный пул участниками престижных мировых арт-ярмарок и биеннале.
Не в последнюю очередь благодаря новому подходу к ведению арт-дел – поэтому именно на их примере мы рассмотрим свежие тренды.
От себя скажу: я недавно пересекся с блестящими работами Курмаз и Сохта и, совершенно не стесняясь, призываю вас с ним ознакомиться. Оно того решительно заслуживает.
Совсем скоро их работы впервые (после многолетнего перерыва) выставляются в России – не пропустите их выставку в Петербурге.
Тренд № 2.
Революция интерфейсов: рисуешь на планшете, получается холст с маслом.
Повсеместное использование iPad-механик серьезно повлияло на технологию создания картин. Например, стала популярна фронтальная печать diasec: принципу, схожему с печатью фотографий, краски наносятся на акрил.
Надежда Воронина, арт-критик:
– Александр Сохт создает свои произведения в графических программах, которые затем переносит на холст, бумагу или diasec. Таким образом инновационные техники помогают эволюции творческого метода.
Тренд № 3.
Демократизация арт-рынка: теперь искусство коллекционируют не скучающие миллионеры, а обычные студенты и домохозяйки.
Удивительный факт: подлинник работы известного мастера теперь может стоить меньше 100 долларов. Европейская аудитория уже распробовала прелести арт-шоппинга и массово скупает работы современников.
Демократизация цен на высокое искусство особенно заметно на примере многолетнего успеха крупнейшей международной ярмарки AAF (Affordable Art Fair, «ярмарка доступного искусства»)
Для его организаторов важнейшим критерием отбора работ является их стоимость: она не должна превышать ценовой потолок, доступный людям среднего достатка.
Тренд № 4.
«Авторский оригинал» – идея, которая стремительно меняет арт-рынок
Маркетинг эпохи копипаста и перепоста по-новому осмыслил идеи Уорхола: картина теперь может выпускаться в нескольких вариантах и с различной ценой.
Например, произведения тех же Курмаз и Сохта стоят совсем недешево. Но они придумали стратегию, которая позволяет захватить три разных ценовых категории.
Стратегия доступности достигается путем выпуска ограниченного тиража на бумаге и холстах авторских оригиналов.
То есть произведение может существовать в пяти копиях, но при этом каждая из них является оригиналом, что подтверждает сертификат международного образца.
Тренд № 5.
Галереи теперь открывают не галеристы, а сами художники.
Важнейшая тенденция: главным местом взаимодействия участников арт-рынка становится персональная галерея художников. Это такая же передовая формация, как маленькая лавочка, где хозяин сам стоит за прилавком.
Надежда Воронина, арт-критик
– В центре Праги у Курмаз и Сохта есть собственная галерея, созданная для выставления самих себя. Пожалуй, это один из самых успешных вариантов современной галереи, выставляющей и продающей искусство, так как здесь слито воедино все необходимое – четкая концепция, цели и задачи художника. Это тип галереи будущего, ведь в современном искусстве все упрощается.
В данном случае работает механика фейсбука и твиттера. Прямая коммуникация между автором и ценителями его творчества становится более выигрышной стратегией, чем общение через агентов и байеров.
Триумфальное возвращение классической картины; digital-революция имени Энди Уорхола и остальные удивительные вещи, которые происходят в тонком мире изящных искусств .
Современное искусство больше не является современным. Сontemporary art со всеми своими постмодернистскими трюками было придумано век назад.
Освежеванные туши коров, видеоперформансы, – поначалу это было увлекательно, но возникает вопрос, что же дальше. Смогут ли художники придумать что-то еще более абстрактное и непостижимое, чем квадрат Казимира Малевича и брызги Джексона Поллока?
Think outside the box, – советовал небезызвестный Бэнкси. Новые тренды в искусстве и арт-рынке пришли с неожиданной стороны.
Тренд № 1.
Рисованная картина: возвращение на трон
По мнению критиков, картина еще недавно «умирала», вытесняясь другими видами искусства – видеоартом, инсталляцией с её непостижимыми акт объектами самого различного происхождения (иногда даже с городских помоек)… В конце нулевых ситуация кардинально поменялась и случилось чудо: картина возродилась как жанр.
Граница между fine art («изящное искусство», сделанное по старинке, кистью по холсту) и актуальным искусством (с его нарочитым безумием и нонкоформизмом, кровью и другими естейственными жидкостями вместо красок) – внезапно куда-то улетучилась.
Зрители, а в первую очередь – сами художники – страшно соскучились по картинам в традиционном смысле. И выясняется, что здесь еще далеко не все сказано.
Однако, чтобы привлечь к себе внимание на гигантском, перенасыщенном арт-рынке, картина должна быть действительно талантливой. ( Но что же это всё таки значит? Искусство слишком по-разному воспринимается)
Тренд № 2.
Революция интерфейсов: рисуешь на планшете, получается холст с маслом.
Повсеместное использование iPad-механик серьезно повлияло на технологию создания картин. Например, стала популярна фронтальная печать diasec: принципу, схожему с печатью фотографий, краски наносятся на акрил.
Тренд № 3.
Демократизация арт-рынка: теперь искусство коллекционируют не скучающие миллионеры, а обычные студенты и домохозяйки.
Удивительный факт: подлинник работы известного мастера теперь может стоить меньше 100 долларов. Европейская аудитория уже распробовала прелести арт-шоппинга и массово скупает работы современников.
Демократизация цен на высокое искусство особенно заметно на примере многолетнего успеха крупнейшей международной ярмарки AAF
Для его организаторов важнейшим критерием отбора работ является их стоимость: она не должна превышать ценовой потолок, доступный людям среднего достатка.
Тренд № 4.
«Авторский оригинал» – идея, которая стремительно меняет арт-рынок
Маркетинг эпохи копипаста и перепоста по-новому осмыслил идеи Уорхола: картина теперь может выпускаться в нескольких вариантах и с различной ценой.
Например, произведения тех же Курмаз и Сохта стоят совсем недешево. Но они придумали стратегию, которая позволяет захватить три разных ценовых категории.
Стратегия доступности достигается путем выпуска ограниченного тиража на бумаге и холстах авторских оригиналов.
То есть произведение может существовать в пяти копиях, но при этом каждая из них является оригиналом, что подтверждает сертификат международного образца.
Тренд № 5.
Галереи теперь открывают не галеристы, а сами художники.
Важнейшая тенденция: главным местом взаимодействия участников арт-рынка становится персональная галерея художников. Это такая же передовая формация, как маленькая лавочка, где хозяин сам стоит за прилавком.
Надежда Воронина, арт-критик
– В центре Праги у Курмаз и Сохта есть собственная галерея, созданная для выставления самих себя. Пожалуй, это один из самых успешных вариантов современной галереи, выставляющей и продающей искусство, так как здесь слито воедино все необходимое – четкая концепция, цели и задачи художника. Это тип галереи будущего, ведь в современном искусстве все упрощается.
В данном случае работает механика фейсбука и твиттера. Прямая коммуникация между автором и ценителями его творчества становится более выигрышной стратегией, чем общение через агентов и байеров.
Международный фотобанк Depositphotos опубликовал прогноз визуальных тенденций на будущий год. Нас этот обзор заинтересовал прежде всего потому, что иллюстрирует важную и уже бесспорную истину: живопись, архитектура, кураторские проекты, дизайн, популярная культура, идеи видеоблогеров и ритейлеров, и тем более инстаграм и компьютерные игры в XXI веке создают единую визуальную культуру, общий набор тем, идей, стилей.
Проект «Визуальные тренды — 2020: будущее близко» задает вектор движения и развития прежде всего для фотографов, дизайнеров, специалистов по визуальным коммуникациям. И даже если вы не связаны ни с одной из этих профессий, вам будет интересно узнать, какой визуальный контент будет в следующем году сопровождать вас в соцсетях, в рекламных роликах, на уличных бордах, в музеях. Везде, одним словом. Ну и какое отношение к этому всему имеют Мона Лиза, Кандинский и архитектурный .
Программу «Мона Лиза. По ту сторону стекла», которая использует виртуальную реальность, Лувр запустил одновременно с юбилейной выставкой Леонардо да Винчи. Фото: magazine.artland.com
Расширенная реальность
Этот тренд в обзоре Depositphotos занимает первое место не зря. Виртуальная реальность чем дальше, тем больше будет влиять на все сферы жизни человека: отдых, работу, развлечения. А если вы следите за новостями лучших художественных музеев мира и самыми ожидаемыми выставками, то, конечно, знаете, что расширенная (или же «дополненная») реальность для кураторов становится одним из самых мощных инструментов организации важного музейного события.
Лувр использовал новейшие технологии, чтобы позволить посетителям увидеть 3D-модель «Моны Лизы». Специалисты изучили перспективу, за спиной Моны Лизы, фактуры и складки на ее одежде, чтобы воссоздать объемную модель самой героини и окружающего ее пространства. В специально обустроенной комнате Лувра можно провести 7 минут наедине с Джокондой.
К ретроспективе Амедео Модильяни в лондонской галерее Тейт в 3D была воссоздана парижская студия художника, в которой дымит незатушенная сигарета, ветер играет листами бумаги, падает ткань с недавно законченного холста, солнечный свет играет на полу.
Студия Модильяни, воссозданная в виртуальной реальности для выставки в галерее Тейт . Фото: www.tate.org.uk
Наконец, два года назад открылся первый полноценный виртуальный музей. В личной коллекции голландца Джорджа Кремера — 70 полотен фламандских и голландских художников XVII века. Поначалу он собирался построить музей и сделать коллекцию доступной зрителям, но потом решил, что еще больше людей во всем мире смогут наслаждаться картинами, если для этого нужно будет заплатить всего 10 долларов и надеть VR-очки. Для виртуального Музея Кремера был создан специальный архитектурный проект, установлено оптимальное освещение. Картины можно рассматривать очень близко, заглядывать на обратную сторону холста и послушать экскурсию, которую ведет сам Кремер.
Словом, лучшие музеи мира не только используют новейшие технологии в кураторских проектах. Они и есть генераторы и популяризаторы тех идей, которые в будущем году выходят на первый план в визуальных коммуникациях. Самые оптимистичные пророки из мира IT предсказывают совсем уж идеальное будущее, в котором собственное виртуальное пространство появится у каждого музея — как альтернатива живого музея. И через каких-то пару лет мы сможем по вечерам ходить по виртуальному музею Орсе или МЕТу, подкручивать свет, если ярко, и пить чай у себя на кухне в перерывах между залами.
Опасности технического прогресса
Признайтесь, вам стало немного страшно от предыдущего пророчества. То-то же. Это как раз следующий визуальный тренд: доступность технологий и опасности, которые она за собой влечет. Технологии меняют многое: то, как мы смотрим выставки, то, как художники и отдельные работы становятся известными и продаваемыми, то, наконец, как создаются произведения искусства. И хотя, например, первый опыт продажи на аукционе Christie’s произведения, созданного искусственным интеллектом, был неожиданно успешным (картину планировали продать за 10 тыс. долларов, а продали более чем за 432 тысячи), запрограммированные шедевры до сих пор почему-то не захватили арт-рынок. Так что рано бить тревогу.
На самом деле, противостояние и диалог художника и технологий — история не новая. На каждом новом витке развития она повторяется. Возможно, именно поэтому вслед за футуристическими визуальными трендами в списке на 2020 год идут сразу несколько рефлексий над художественным опытом прошлого.
Баухауз: назад в будущее
Интерес к эстетике Баухауза в уходящем 2019 году был разогрет, конечно, грандиозным празднованием столетия школы. В течение года по обе стороны океана проходили художественные выставки, реанимировались театральные постановки Оскара Шлеммера, в кинотеатрах шли фильмы, к знаменательной дате издавали книги главных теоретиков Баухауза и реставрировали знаковые здания, даже фуд-стилисты выкладывали еду на тарелки, вдохновляясь Кандинским и Гропиусом. Страсть к геометрии, , основные цвета, новаторская типографика Баухауза оказались неожиданно актуальными и убедительными в дизайне.
оказался тем необходимым шагом назад для настройки визуальных компасов современности: ровно сто лет назад основатель Высшей школы строительства и художественного конструирования Вальтер Гропиус заложил основу современного дизайна, ровно сто лет назад здание самой школы, дома преподавателей, выставочный дом Haus am Horn изменили представление об архитектуре. стал первым художественным учебным заведением Германии, в котором девушек в первый же год обучения приняли больше, чем юношей. Впервые именно в стенах этой школы студенты не просто разрабатывали дизайн и проекты, но и самостоятельно изготавливали посуду, системы освещения, текстиль в собственных мастерских.
Кабинет директора Баухауза Вальтера Гропиуса
Гунта Штёльцль. Красно-зеленый гобелен, 1927
Марианна Брандт. Чайный сервиз, 1924
Опыт Баухауза в 2020 году будет полезен не только как визуальное вдохновение и источник точных минималистических решений, но и как пример самого смелого и радикального в истории искусства синтеза новейших технологий и искусства.
Но строгое совершенство и лаконичность Баухауза в будущем году будут вовсе не единственным способом решить современные визуальные задачи с помощью путешествий в прошлое.
Ле Корбюзье. Монастырь Сент-Мари-де-ла-Туретт, 1960
Брутализм: вызов скучному совершенству
Брутализм — один из самых противоречивых стилей в архитектуре, интерес к которому в последние годы внезапно возрос. Прежде всего, благодаря кино и Инстаграму. Помните впечатляющую игру света и тени на грубой серой поверхности городских многоэтажек, которые неожиданно попали в объективы профессиональных фотографов и инстаграм-блогеров? А могучий, давящий бетонный сеттинг «Бугущего по лезвию 2049»? Оператор Роджер Дикинс, получивший «Оскара» за работу над этим фильмом, рассказывал в одном из интервью, что Дени Вильнев при постановке задачи съемочной группе сказал: «…я хочу, чтобы складывалось ощущение брутализма, той жесткой бетонной архитектуры, которая зарождалась в 1950-х».
У брутализма неоднозначная репутация: с одной стороны, ему ставят в укор засилье безликих типовых многоэтажек и даже расцвет преступности, который такие унылые бетонные кварталы провоцируют, с другой стороны — в послевоенное время именно бетонные многоэтажки решали проблему доступного жилья. Пожалуй, ни одно направление в архитектуре не подверглось настолько серьезному испытанию: такому массовому тиражированию, упрощению, обесцениванию.
Термин «брутализм» придумали британские архитекторы Элисон и Питер Смитсоны, но происходит он от техники «béton brut» (необработанный бетон), которую использовал пророк брутализма архитектор Ле Корбюзье. И в его планы, конечно, не входило предоставить вооруженным бандам и наркодилерам Лондона, Марселя или Парижа вдохновляющие декорации. Ле Корбюзье придумал строить дома на бетонных опорах, освобождать стены от несущей функции, а значит разнообразить планировку, он придумал внешние бетонные жалюзи, которые спасали от палящего зноя, а на крышах домов устаивал беговые дорожки, эстрады и террасы. Землю, освободившуюся от застройки благодаря многоэтажному строительству, Ле Корбюзье засаживал парками, чтобы люди в больших городах, наконец, начали дышать. В одной из таких квартир он сам прожил 30 лет.
Ле Корбюзье. Марсельский блок, 1952
Уильям Перейра. Библиотека Гейзеля, 1970
Но брутализм — это не только жилые многоэтажки. Из необработанного бетона во второй половины ХХ века строили государственные учреждения, университеты и музеи. Бетон оказался таким универсальным, молчаливым, суровым, выразительным материалом, что стал единственным возможным языком скульптуры, чтобы говорить о тяжелых событиях прошлого. В Берлине Мемориал жертвам холокоста — это поле из 2 700 бетонных плит и ощущение наваливающейся, бесконечной человеческой боли.
Все эти смыслы автоматически считываются, когда, например, режиссер снимает антиутопию в подобных декорациях. Но даже без них бросает вызов унылой красивости и безликому совершенству.
Следующие пять визуальных трендов 2020 года не связаны с художественными и архитектурными течениями прошлого напрямую. Больше никаких революций и противоречий, никакого социального контекста и угроз. Это, скорее, советы о цветовых решениях и композиции, которые помогут привлечь внимание зрителя. И если вы, к примеру, запланировали в следующем году просто прославиться в Инстаграме, можете поискать резкие плоскости света и тени на стенах ближайшей брутальной многоэтажки, складывать композиции из сезонных фруктов в стиле Баухауза или выбрать один из следующих советов. А мы поможем с живописным вдохновением.
Пастельные оттенки
Неоновый киберпанк сейчас на пике популярности (это один из футуристических трендов), поэтому используйте пастельные цвета, покорите мир всеми оттенками бежевого, белого, розового или мятного. Как это сделал с свое время тоналист Уистлер, например.
Деформация и оптические иллюзии
Вы уже поняли, что совершенство всем наскучило? Привлечь внимание зрителя идеальной картинкой все сложнее — их слишком, слишком много. Поэтому искаженные, деформированные фигуры, оптические иллюзии, неровные шрифты — все это заставит человека задержаться на изображении и разгадать его. Фрэнсис Бэкон, Пабло Пикассо, Мауриц Корнелис Эшер и Виктор Вазарелли об этом точно знали.
Природные формы и закон гравитации
Говорят, что с современными технологиями стало реально воссоздавать природные движения, гипнотические процессы, раньше доступные только ученому по ту сторону микроскопа, завораживающие реакции. Дизайнеры и художники присматриваются к живым формам и, пользуясь набором современных техник, преодолевают законы природы. Ученый Эрнст Геккель всю жизнь смотрел в микроскоп на медуз и планктон, открывал неизвестные виды (на его счету 120 не известных ранее существ) и зарисовывал причудливые и прекрасные живые формы. Если вам за природными формами, то искать их до сих пор лучше всего в книгах Геккеля.
Вертикальный формат
Тут все просто. Люди перебираются из-за компьютеров в телефоны и планшеты, а потому вертикальные изображения воспринимаются лучше. Девайс диктует формат картинки. Художникам и дизайнерам придется разбираться с композиционными требованиями вертикального изображения, а в живописи, как всегда, можно найти примеры, когда кардинально вертикальный холст не просто лучше подходил для задуманной картины, а задавал тему, бросал вызов, определял форму.
Детали крупным планом
и лаконичность эстетики Баухауза не случайно вышли на первый план в этом году. Перенасыщенность и избыточность изображений часто уводит от главного, не позволяет рассмотреть подробности. В мире тотальной информационной усталости заметными становятся изображения с одним-единственным акцентом — ищите такие в поздних натюрмортах импрессионистов, например. Блестяще овладевшие техникой, постаревшие и больные Эдуар Мане или Огюст Ренуар клали перед собой луковицу или пучок спаржи — и писали только это. Ничего лишнего.