Самые экстравагантные модные тенденции
Когда мы наблюдаем за тенденциями современной моды, иногда кажется, что мир сошел с ума. Например, еще недавно среди молодежи было чрезвычайно популярно открывать лодыжки, даже несмотря на лютый мороз. Такие жертвы ради красоты оборачиваются для ребят серьезными проблемами со здоровьем. Но оказывается, так было в любом из столетий. Некоторые модные чудачества предков кажутся нам просто странными или смешными (например, бальная книжка), а некоторые серьезно вредят здоровью (как диадемы с мышьяком).
AdMe.ru погрузился в историю, чтобы доказать: девушки и молодые люди во все времена жертвовали удобством, здоровьем и здравым смыслом ради того, чтобы быть в тренде.
1. Жесткие воротнички
Вошедшие в моду в XIX веке жесткие воротники избавляли мужчин от необходимости менять рубашку каждый день. Но такие аксессуары люди называли не иначе как «отцеубийцы»: они запросто могли перекрыть приток крови по сонной артерии. Мужчины заходили в ресторан, выпивали пару бокалов, свешивали голову на грудь и задыхались.
В 1888 году в газете New York Times был размещен некролог под названием «Удушен собственным воротником». Как пишет в своей книге «Умереть за моду» историк Саммер Стривенс, молодой человек Джон Крютци выпивал, потом сел на скамейку и задремал. «Его голова свесилась на грудь, жесткий воротник передавил дыхательное горло и перекрыл кровоток в уже из без того суженных венах, приведя к смерти от удушения и инсульта».
2. Отравленные шляпки
У шляпников XVII и XIX веков была велика вероятность отравления ртутью. Дело в том, что этот металл применялся при произодстве фетра, а длительный контакт с ним приводил к так называемой болезни безумного шляпника. Среди симптомов — раздражительность и патологическая застенчивость, дрожь в руках и ногах. Так что теперь становится ясно, что выражение mad as a hatter («безумный как шляпник»), давшее имя персонажу Льюиса Кэрролла, пришло из XIX века.
3. Брэ с разрезом сзади
Брэ — элемент мужского гардероба, популярный в Средние века. Его длина варьировалась в зависимости от времени года, климата, социального положения хозяина. Король Франции Людовик Х Сварливый, который страдал от дизентерии, ввел печальную моду: брэ стали носить с глубоким разрезом сзади.
4. Панье
Панье, что в переводе с французского означает «корзина», появилось в XVII веке. Каркас такой юбки делался из ивовых или стальных прутьев. Модницы должны были владеть искусством изящной ходьбы, чтобы при покачивании платье обнажало то носок туфель, то нижнюю юбку.
В эпоху Марии Антуанетты панье стало до того неудобным и большим, что его снабжали складной конструкцией на шарнирах и увеличивали дверные проемы в каретах.
5. Турнюр
Турнюр — модное приспособление второй половины XIX века в виде специальной подушечки. Дамы подкладывали ее сзади под платье ниже талии, чтобы придать силуэту пышность и красивый изгиб. В таком платье невозможно было сесть, потому что иначе вся красота пошла бы насмарку. На старых карикатурах можно было прочитать, как муж спрашивает жену: «Дорогая, ты не хочешь присесть?» На что та отвечает, что очень хочет, да только портной не велел.
6. Блио
Блио носили в Средние века. Это платье с узкими рукавами, которые расширялись к запястью. В некоторых случаях они доходили до земли. Естественно, такой наряд был жутко неудобным и ограничивал движения, однако производил неизгладимое впечатление на окружающих.
7. Бальная книжка
Балы были чрезвычайно популярным времяпрепровождением прошлых веков. Для молодежи, которая во все времена любила танцы, это было настоящим событием. Танцев было много, кавалеры сменяли друг друга, а чтобы не забыть, с кем и когда она танцевала, дама записывала очередность танцев и имена партнеров в специальную книжку.
Бальная книжка отличалась изяществом, переплет украшался драгоценными камнями, перламутром, золотой монограммой владелицы. Часто листочки были изготовлены из слоновой кости: тогда по окончании бала записи можно было стереть и забыть, чтобы на следующем балу вновь пуститься в пляс с новыми кавалерами.
8. Надувной бюстгальтер
Желание женщин иметь большую красивую грудь достигло своего пика в XX веке. Американская компания Frederick’s of Hollywood не растерялась и предложила дамам специальный лифчик. Его особенность была в том, что его можно было надуть (трубочка прилагалась). В это было бы сложно поверить, если бы не ретрореклама, в которой можно увидеть, как женщинам предлагается приобрести этот модный аксессуар.
9. Волосы под палящим солнцем
Во времена Ренессанса в моде был золотистый цвет волос, и, чтобы добиться такого оттенка, девушки использовали шафран и лимон. А еще они подставляли локоны солнцу в шляпах без дна: поля такого аксессуара при этом защищали лицо от загара.
10. Диадемы с мышьяком
В прошлые столетия, когда люди еще не знали об опасности мышьяка, этот яд использовался как краситель и как консервирующее средство. Среди женщин были чрезвычайно популярны диадемы и шляпки с живыми цветами, а чтобы цветы не вяли и долго сохраняли цвет и форму, мастера вымачивали их в растворе с мышьяком.
11. Заразные платья
Еще пару столетий назад человечество часто страдало от эпидемий заболеваний, которые терроризировали целые города. Люди плохо представляли себе, как передаются тиф, холера и другие опасные болезни. Дамы спешили на званые вечера, надевая свои лучшие наряды. Ткань их платьев красиво ниспадала на пол и на землю, где находились болезнетворные микроорганизмы. Одежда стиралась крайне редко, так что длинные выходные платья становились переносчиками смертельных болезней.
12. Таблетки с гельминтами
В начале XX века девушки использовали «червивую диету», чтобы похудеть. Они сознательно селили в своем организме гельминтов, ведь сторонники данного метода говорили, что им удается сбрасывать по 5 кг в неделю.
Это кажется диким, но в 90-е годы таблетки с яйцами глистов также пользовались популярностью у модниц. К сожалению, и в наше время некоторые дамы готовы заполучить подобные «чудо-препараты», не задумываясь об уроне, который они наносят своему здоровью.
13. Птицы на шляпах
В XIX веке настоящим писком моды были шляпки, украшенные перьями, крыльями, головами, а то и целыми тушками птиц. Встречались даже гнезда с яйцами и птенцами — в общем, все для того, чтобы шляпка казалась «населенной» пернатыми. Такая мода была не только жутковатой, но еще и жестокой и едва не привела к исчезновению нескольких видов птиц. Целые колонии пернатых уничтожались ради прихоти богатой публики.
В 1886 году орнитолог из Американского музея естественной истории Фрэнк Чепмен написал письмо в естественно-научный журнал, в котором представил список видов птиц, замеченных в шляпках нью-йоркских модниц: их было около 40.
Особенно ценились эгретки — ювелирные украшения с перьями белых цапель, которые крепились к шляпке или даже к волосам. Спрос на перья был так велик, что белые цапли едва не исчезли как вид. Только в Венесуэле в 1898 году было истреблено больше 1,5 млн этих птиц.
На каждой неделе моды какой-нибудь молодой дизайнер выкладывает нескладный наряд.
Она попадает в заголовки газет, завоевывает акции в социальных сетях и подтверждает для многих, что мода в глубине души элитарна и неосязаема.
Но может ли радикальная мода задавать глубокие вопросы о жизни и обществе?
Мы смотрим на некоторые осенне – зимние 2019-2020 года, чтобы узнать это.
1. Paolo Carazana
“Слияние Моды и искусства “
Есть негабаритные и есть габаритные – и еще есть студент итальянского происхождения Паоло Карцана, который послал моделей вниз по подиуму Вестминстерского университета BA, настолько заваленных огромными слоями потертых пальто, пиджаков и брюк, что они выглядели как ожившая свалка.
Еще более поразительно: огромные пустые конструкции, похожие на скафандры, которые раскачивались над моделями, как зловещие призраки.
Однако, по словам Карзаны, эти силуэты являются символическими защитниками, сражающимися от нашего имени против людей, находящихся у власти.
“Карзана создала интригующую, заставляющую задуматься коллекцию, которая объединяет моду и искусство”, – объясняет Джойс Торнтон, старший преподаватель дизайна одежды в Вестминстере.
“Это личное и эмоциональное заявление против злоупотребления властью.- Значит, двое ищут по цене одного.
2. Иньи Лу
“Изучение гендерных стереотипов”
Для модных писателей гендерные стереотипы одежды могут быть разочаровывающими.
Но почему именно мужчины должны носить брюки – эти портновские инструменты целеустремленности и активности – – в то время как женщины борются с непрактичностью юбки?
Поэтому, когда дизайнер приходит, чтобы оспорить эти предположения, например, студентка магистратуры Лондонского колледжа моды Иньи Лу, мы можем только сказать: отлично.
Уроженец Китая Лу был вдохновлен игрушечными куклами 19-го века.
“Исследуя гендерные стереотипы таким образом, очень интересно увидеть, как они использовались в качестве отправной точки для изучения границ мужественности”, – говорит Джос э Теуниссен, декан Школы Дизайна и технологий Лондонского колледжа моды Лондонского университета искусств.
И очень интересно наблюдать, как женщина-дизайнер из другой культурной среды интерпретирует западное наследие и воплощает его в современную мужскую одежду.”
3. Vin + Omi
Дружественная к планете мода
Зачем носить маленькое черное платье, когда можно надеть большое розовое?
Этот огромный помпон (вверху, в центре) закрыл выставку в VIN + Omi, прогрессивном и концептуальном дизайнерском доме, посвященном созданию новых, дружественных планете тканей в роскошной обстановке.
На сегодняшний день бренд имеет в своем названии 11 ЭКО-Текстилей, в том числе изготовленные из переработанного пластика, полученного при очистке океана, и кожу животного вида, изготовленную из каштановой кожи.
Платье-на самом деле плащ – накидка-сделано из шерсти 10 лам, домашних питомцев, которые живут естественной жизнью и будут иметь естественную смерть.
“Мы хотим, чтобы владелец платья понимал этическую историю нашего флиса без убийств – и ценил, что высококачественная мода может быть экологически чистой и носимой”, – восхищается вин, одна из частей художественного дуэта, стоящего за брендом.
“Мы хотим, чтобы они могли надеть это платье на модную вечеринку или сказать: “забудь о вечеринке”, остаться дома и заснуть в нем.”
4. Пэм Хогг
Супер-прозрачные, едва заметные кошачьи костюмы
Просканируйте первый ряд на последнем шоу Пэм Хогг, и взгляд будет в основном ошеломленным.
Неудивительно: в промежутках между леденцовыми латексными тренчкотами Хогг демонстрировала свои фирменные кошачьи костюмы-такие, как носили Кейт Мосс, Леди Гага и старая подруга Сьюзи Сиу, среди прочих – в диапазоне едва заметных тканей.
Разумно расставленные пластыри-еще один штапель Хогга-только подчеркивали, что навыки моделей в депиляции были не чем иным, как высоким искусством.
Хогг имеет длинную родословную работы, мастера из престижной RCA и расцвет пост-панка в напряженных 1980-х.
Так что же именно она говорит своими супер-прозрачными костюмами для кошек?
Что ты сильный, что ты любишь свое тело и немного веселья, и что люди могут либо принять это, либо оставить его.
5. Мэтти Бован
Гелиевые головные уборы, наполненные воздушными шарами
Первым актом Февральской Лондонской Недели моды был феноменально талантливый Мэтти Бован, прославившийся тем, что заворачивал, вязал, собирал и вытягивал всевозможные образцы ткани в экстравагантно структурированные одежды.
Это ручной работы и низкий-fi (Бован работает из флигеля своих родителей); эффект антиутопичен и футуристичен.
Так далеко, так совершенно современно.
Так почему же головные уборы, наполненные гелием для вечеринок, которые завершали шоу, были разработаны Стивеном Джонсом и носились с помятыми бальными платьями?
“Речь идет о том, чтобы нести груз мира на своей голове – но в легком смысле”, – сказал Бован Vogue.com В то время.
Учитывая, что коллекция была посвящена его любимой бабушке, которая скончалась прошлым летом, возможно, это все-таки имеет смысл.
6. Эдвин Мохни
“Сделайте моду снова великой”
Лондонская неделя моды не была бы полной без того, чтобы хотя бы один студент-модельер не играл быстро и свободно с традиционными границами человеческого тела в своей работе и не использовал подиум для подачи политических жалоб.
В этом сезоне настала очередь выпускника Центра моды Сент-Мартинс Ма Эдвина Мохни, родившегося в Буффало, штат Нью-Йорк, который поджег социальные сети своими юбками для бассейна, платьями – пустышками и “трубочками” – каблуками, заключенными в резиновые маски президента Дональда Трампа.
Эти каблуки, вместе с заявленным намерением дизайнера “снова сделать моду Великой”, должны дать зрителям ключ к пониманию вдохновения Мохни.
Сентрал Сент-Мартинс активно поощряет прогрессивную мысль и разрушение границ. Мохни прибил его.
7. Гуччи
Также читайте на нашем канале:
Магия, фантазия и щенки дракона
Вы ожидаете, что сюрреалистическая мода появится на показах молодых дизайнеров-идеалистов-но на самой гламурной взлетно-посадочной полосе сезона?
Едва.
Именно это и сделал креативный директор Gucci Алессандро Микеле на подиуме лейбла осень-зима 2018, превратив шоу в событие волшебства и фантазии в стиле Game of Thrones.
Оттуда вышли модели, несущие безукоризненно сделанные модели “драконьих щенков”, игуан и змей; с рогами Фавна и третьими глазами; и, наконец, с копиями их собственных голов в натуральную величину.
К тому времени вязаная балаклава с прикрепленными к ней длинными, голубыми, пушистыми волосами выглядела скучно банальной.
Обычно неуловимые заметки Мишель о шоу не помогали, ссылаясь на исследование ” киборга Гуччи, биологически неопределенного и культурно осведомленного.
Может быть, призыв к большему признанию разнообразия?
Каким бы ни было намерение, пробуждение другого мира было желанным облегчением от резкой коммерциализации стольких других роскошных брендов – что иронично, потому что с Микеле у руля прибыль Gucci стремительно растет.
Может быть, странность все-таки окупается.
А Вы как думаете?
Дорогие читатели, оставляйте свои комментарии и дополнения к статье.
Понравилась статья? Ставьте лайки!
Подписывайтесь на канал Fashion Club! Спасибо!
Авангардный стиль сначала появился в архитектуре и культуре. Как стиль одежды он зародился в 20-е гг. в Японии. Авангардный стиль представлял собой японский взгляд на европейскую одежду. Для данного стиля характерны прямые геометрические силуэты, либо, наоборот, бесформенные. Это – игра форм, демонстрация очень интересного силуэта и кроя.
Авангардная мода – понятие, описывающее передовые, нетрадиционные, экстравагантные течения в моде, не вписывающиеся в общепринятые нормы.
В настоящее время редко встретишь чистый стиль, стало модно миксовать стили. И это гораздо интереснее, потому что дает простор для творчества. Существуют некоторые правила, какие стили можно смешивать. Например, драма хорошо сочетается со спортом, романтика с женственным, спортивный с женственным, классику, напротив, очень трудно сочетать с другими стилями. Но каждый человек может придумать свои сочетания. Если Вы одеты во все серое, это может значить, что Вы не обращаете внимание на одежду, либо, что более вероятно, просто стремитесь слиться с серой массой. Обратите внимание, творческие люди одеты самобытно, интересно и креативно. Ведь одежда – это одно из средств самовыражения, которое не стоит игнорировать.
Основной цвет – черный, аскетичный цвет, цвет в виде фона для восприятия модели. Таким образом, выразительность моделей достигается не за счет цвета, а за счет линий, формы, кроя. В авангардном стиле используются все технологически новые ткани, сетка, бумага и картон. Этот стиль – для ярких и творческих людей, которые стремятся выделиться из толпы.
Первое направление авангардного стиля – минимализм. Здесь используются только простые материалы, простая единообразная форма и монохромность. В минимализме, как правило, используется не более одного цвета в костюме, в основном, черный, белый и серый. Для минимализма характерны простота силуэта, чистота линий, монохромность, минимум деталей, рисунков.
Второе направление- концептуализм. Это одежда ради одежды, не для того, чтобы ее носить, а ради самореализации автора, который воплощает в своей коллекции какую-либо идею, концепцию. Одежда может быть изготовлена не только из ткани, но и из любого материала, как, например, бумага, целлофан, металлические пластины.
И третье направление авангардного стиля – деконструктивизм. Мне хотелось бы подробнее рассмотреть это направление авангардизма!
Основные понятия.
Деконструктивизм, деконструкция / англ. Deconstruction – разрушение/ – понятие, применяемое в моде с середины 1980-х и в 90-е гг., для описания творчества ряда дизайнеров, относящихся к интеллектуалам мира моды и оказывающим значительное влияние на процессы в ней происходящие. Как движение в моде Д. родился в 1986г. Идеологами движения выступили Рей Кавакубо и Хельмут Ланг, первоначально подвергшиеся критике за свои коллекции. Термин заимствован из филосовского течения- постструктурализма. Дизайнеры разрушили традиционные представления о форме, функциональности и границах одежды. Они склонны рассматривать одежду как форму чистого искусства , как объект проведения эксперимента по формообразованию или обработке материалов. Деконструктивизм- это обнажение конструкции, кроя изделий, разрушение привычных форм, нетрадиционное использование обычных материалов и поиски новых технологий. Часто используется ассемитричность в крое и композиции одежды, многослойность , необработанные края, неопределенные цвета, подчеркивающие асексуальность. Дизайнеры творят обычно в стиле унисекс. На развитие Д. оказал влияние японский дизайн. В этом направлении работают Йоджи Ямамото, Мартин Марджела, Анн Делемеестер и др.
- Японской моде нет еще 40. Она самая молодая из существующих и, естественно, самая дерзкая. Бесстрашие Кензо (Кэндзо) Такада, Ёдзи (в привычном русском прочтении Йоджи) Ямамото, Иссеи Миякэ, Рей Кавакубо, совершивших переворот в европейской фэшн-эстетике в 80-е годы, поражает не только историков моды, но и современных дизайнеров, живущих в эпоху абсолютной свободы и вседозволенности. В каждой коллекции культовых фигур ХХ века можно найти что-то исключительное и совершенно невообразимое: скажем, немыслимое сочетание форм и орнаментов у Kenzo, уходящая в бесконечность многослойность моделей Yohji Yamamoto, фантастическая плиссировка у Issey Miyake или чудовищное обращение с вещами, которые в Comme des Gar выворачивают наизнанку, рвут, перекраивают, оставляют незаконченными и т.д. Кажется, все дело в отчаянно смелой экстравагантности. Но это не так.
Дело в исключительно свежем взгляде на европейский костюм. Японские дизайнеры с великим трепетом относятся к кроеной одежде и, разбирая классическое платье, всегда доходят до самой сути, основы, начала, до той точки, где можно любоваться самой идеей, например, швом. Самая простая, будничная деталь костюма в произведении японского дизайнера может стать главной, стилеобразующей и наоборот, важная, с привычной для нас точки зрения, может оказаться совершенно незначительной и даже вовсе ненужной. Застежки не обязательно должны застегивать платье, они могут просто его украшать. Мода становится по-настоящему непредсказуемой. И перестает быть торжественно серьезной: японские дизайнеры обладают не только уникальным чувством стиля, но и тонким чувством юмора – гигантской шляпе эпохи модерна, придуманной Йоджи Ямамото настолько большой, что ее приходится держать над головой дамы нескольким мужчинам, вооруженным длинными шестами, мог бы позавидовать Сальвадор Дали.
В 1981 г. в неделе прет-а-порте в Париже впервые приняли участие Ёджи Ямамото и Рей Кавакубо. Их коллекции вызвали шок в мире моды. Одни восприняли модели японцев как карикатуру на европейскую одежду, другие стали их горячими поклонниками, воспринимая эту одежду не как атрибут моды, а как произведение искусства, в котором выражена новая философия одежды. Тогда стиль коллекций японцев называли «destructuree look». Позднее это направление в дизайне одежды получило название «деконструктивизм».
Сам термин, который широко распространился в мире моды в начале 1990-х гг., был заимствован из философии постмодернизма. М.Хайдеггер считал, что деконструкция является способом нового восприятия жизни и образом мышления новой эпохи, для которого характерны свободная ассоциативность и отказ от рационализма. В эпоху постмодернизма самовыражение возможно только путем присвоения традиции, нового комбинирования уже известного, разрушения другого. Децентрация означает исчезновение в постмодерне понятий «центра», господствующей, «высокой» культуры. Деканонизация — борьба с традиционными ценностными центрами. Основным методом этой борьбы является деконструкция (разрушение) центрированных структур, моделей сознания и самосознания человека, общества, культуры. Соответственно в области дизайна деконструкция означает критическое и ироническое отношение к правилам и авторитетам, новую интерпретацию традиций, разрушение канонов. Метод деконструкции в дизайне можно воспринимать и как разрушение привычных связей, ведущее к созданию нового образа. Разложение целостного первоисточника на элементы, оперирование фрагментом, вырванным из контекста, стало характерным признаком метода «цитат» — одного из самых распространенных в эпоху постмодерна методов создания нового. Проектирование превращается в своеобразную игру с фрагментами, когда соединяется несоединимое, рождаются парадоксы и новые образы. В дизайне одежды это проявляется в отказе от традиций: замене ансамбля комплектом (т.е. происходит переход от закрытой системы к открытой, способной к трансформации), стирании оппозиций между различными ассортиментными группами, в функциональной трансформации вещи, в отказе от канонов «хорошего вкуса». В современной моде почти не существует строгих прежде разграничений между одеждой для дня и для вечера, для отдыха и для работы; элементы профессионального костюма проникли в повседневную одежду. Традиционные вечерние ткани (бархат, атлас, парчу) активно используют в повседневной одежде, а твид, фланель, кожа и трикотаж проникли в нарядную одежду.
- Метод деконструкции заключается в новом подходе к моделированию одежды, который представляет собой свободное манипулирование формой и посадкой изделия на фигуре. Работы японских дизайнеров оказали сильнейшее влияние на модельеров Европы, которые с интересом использовали асимметричный крой, неровные края одежды; разрывы, всевозможные прорези и дырки; деление конструкции на правую и левую половины; инверсию (швы наружу, лацканы на спине, застежки в нетрадиционных местах, вытачки «на лицо»); элементы незавершенности; нарушение традиционной технологии. Особый интерес представляет использование инверсии (от лат. Inversio – перестановка) – метод проектирования «от противного», метода «переворота», зачастую абсурдной перестановки. Этот метод зачастую используется при деконструкции, так как разрушает привычные приемы моделирования одежды. Некоторые примеры применения этого метода:
- Сумки с множеством наружных карманов, но пустые внутри;
- Двухсторонние пальто. Плащи, костюмы, жилеты, которые можно носить на обе стороны;
- Превращение нижнего белья в верхнюю одежду;
- Вынесения лейбла фирмы на лицевую сторону изделия и т.д.
Инверсия способствует всестороннему развитию гибкости мышления дизайнера и позволяет получать совершенно новые, порой парадоксальные решения. Например, воротники и лацканы располагаются внизу изделия, рубашка и галстук превращаются в юбку, брюки надеваются на руки, как кофта, стеганная одежда в виде обнаженного тела и др. Особенно часто этим методом пользуются молодые дизайнеры, создающие модели для различных конкурсов, включая международные, в качестве дипломных проектов.
В 2000 – 2001 гг. деконструкция изменилась в сторону большего разрушения привычных комплексов одежды:
- Блузы, майки, куртки с одним рукавом;
- Брюки с одной штаниной;
- Куртка только с левой или правой половиной;
- Куртки без спинки, со съемными рукавами;
- Половина юбки плюс одна штанина;
- Половина юбки;
- Жакет переходящий в купальник, и др.
Изменились способы ношения одежды. Сказалось сильное влияние стиля «гранж»: нарочитая небрежность, наслоение вещей с разной длиной. «Гвоздем» моды 2001 г. стал прием сильной поперечной сборки не только в трикотажной одежде, но и на брюках, жакетах платьях, юбках, в рукавах, которые «засучиваются» до локтя.
Немного подробнее о Рей Кавакубо.
Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) родилась в Токио в 1942 году. Она закончила престижный университет Кэйо по курсу философии. Сразу после окончания учебы Рей стала работать в текстильной компании “Asahi Kasei”.
В 1969 году Рей решила выпускать коллекции одежды под собственной маркой, назвав ее “Comme des Garcons” (от фран. – подобно мальчикам).
Одним из наиболее любимых цветов модельера является черный. Однако помимо основного, черного цвета, в ее первых коллекциях также присутствовали серый и бежевые цвета.
В 1973 году Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) уже официально регистрирует компанию Comme des Garcons Cо. Ltd. Спустя 2 года, она выпускает свою первую коллекцию и открывает бутик в Токио.
Первоначально, Рей занималась разработкой только женских коллекций. Только в 1978 году появилась ее первая мужская линия одежды. Также, в этом году был презентован аромат “Comme des Garcons Homme”, что ознаменовало запуск парфюмерной линии Дома моды.
Модели, создаваемые японским модельером, отличаются деконструктивным стилем. Одежда “Comme des Garcons Homme” характеризуется ассиметричностью, многослойностью, отсутствием или наоборот гиперболизацией каких-либо элементов.
В 1980 году Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) переезжает в Париж. Уже через год, она начинает представлять свои сезонные коллекции одежды класса “Prt-a-Porte” в столице моды.
Дом моды Рей быстро развивался и приобретал статус полноценного международного участника индустрии моды. В результате, в 1982 году “Comme des Garcons” стал членом парижского синдиката высокой моды (Paris Syndicate of High Fashion and Ready-Made Clothes). Модели из коллекций, созданных Рей стали экспонироваться на специализированных выставках по всему миру. В 1983 году Рей получает награду “Mainichi Newspaper Award” от газеты “Mainichi”.
В 1987 году “Journal de Textile” признал Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) лучшим дизайнером. Через 4 года, она получает титул Кавалера Ордена Искусств и Литературы (Chevalier de l”Ordre des Arts et des Lettres).
В 1997 году Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) получает почетную степень доктора в Королевском художественном колледже в Лондоне (Royal College of Art).
Коллекции Рей отличаются зачастую бесформенностью и излишней деформированностью. Во многом, это обусловлено тем, что дизайнер придерживается правил японской эстетики, где несовершенство считается признаком чего-то живого, настоящего. В результате, Рей создает скорее арт-объекты, которые являются, прежде всего, объектами культурного наследия ее родины и восточного воспитания. Даже создавая ароматы, Рей старается нарушить привычные законы создания и восприятия аромата. Например, в 1998 году “Odeur 53 by Comme des Garcons” отличался полным отсутствием традиционной структуры, то есть наличием начальных, серединных и конечных нот. В его состав входили 53 запаха неорганический материалов: огня песка, кислорода и других. Выпущенный в 2000 году “Odeur 71”, уже состоял из 71 запаха, таких как, например, запах факсового тонера и чернил.
Главное отличие работы этого мастера, заключается в новизне каждой коллекции. Автор как будто каждый раз заново рождается и познает мир.
Модели Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) являются частью коллекции Лондонского музея современного искусства.
Сегодня, Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) является единственным владельцем “Comme des Garcons” и официальным лицом компании. Она также регулирует основные направления ее деятельности.
Изменились способы ношения одежды. Сказалось сильное влияние стиля «гранж»: нарочитая небрежность, наслоение вещей с разной длиной. «Гвоздем» моды 2001 г. стал прием сильной поперечной сборки не только в трикотажной одежде, но и на брюках, жакетах платьях, юбках, в рукавах, которые «засучиваются» до локтя. Итак, Рей Кавакубо:
Ямамото:
Кензо:
Martin Margiela: