Вечное и модное в искусстве
Триумфальное возвращение классической картины; digital-революция имени Энди Уорхола и другие любопытные вещи, которые происходят в мире изящных искусств
Современное искусство больше не современно. Сontemporary art со всеми своими постмодернистскими трюками было придумано век назад.
Освежеванные туши коров, видеоперформансы, – поначалу это было увлекательно, но возникает вопрос, что же дальше. Смогут ли художники придумать что-то еще более абстрактное и непостижимое, чем квадрат Казимира Малевича и брызги Джексона Поллока?
Think outside the box, – советовал небезызвестный Бэнкси. Новые тренды в искусстве и арт-рынке пришли с неожиданной стороны.
Тренд № 1.
Рисованная картина: возвращение на трон
По мнению критиков, картина еще недавно «умирала», вытесняясь другими видами искусства – видеоартом, инсталляцией… В конце нулевых ситуация кардинально поменялась: картина возродилась как жанр.
Граница между fine art («изящное искусство», сделанное по старинке, кистью по холсту) и актуальным искусством (с его нарочитым безумием и нонкоформизмом) – внезапно куда-то улетучилась.
Зрители, а в первую очередь – сами художники – страшно соскучились по картинам в традиционном смысле. И выясняется, что здесь еще далеко не все сказано.
Однако, чтобы привлечь к себе внимание на гигантском, перенасыщенном арт-рынке, картина должна быть действительно талантливой.
Чешские художники Светлана Курмаз и Александр Сохт – яркие представители нового тренда. Знаменитые в Европе и США, они почти неизвестны в России, хоть и родом из Краснодарского края.
Супружеская пара давно эмигрировала в Прагу. Довольно быстро их работы обрели успех у западного сообщества.
Русские эмигранты с непростой судьбой теперь входят в список самых востребованный пул участниками престижных мировых арт-ярмарок и биеннале.
Не в последнюю очередь благодаря новому подходу к ведению арт-дел – поэтому именно на их примере мы рассмотрим свежие тренды.
От себя скажу: я недавно пересекся с блестящими работами Курмаз и Сохта и, совершенно не стесняясь, призываю вас с ним ознакомиться. Оно того решительно заслуживает.
Совсем скоро их работы впервые (после многолетнего перерыва) выставляются в России – не пропустите их выставку в Петербурге.
Тренд № 2.
Революция интерфейсов: рисуешь на планшете, получается холст с маслом.
Повсеместное использование iPad-механик серьезно повлияло на технологию создания картин. Например, стала популярна фронтальная печать diasec: принципу, схожему с печатью фотографий, краски наносятся на акрил.
Надежда Воронина, арт-критик:
– Александр Сохт создает свои произведения в графических программах, которые затем переносит на холст, бумагу или diasec. Таким образом инновационные техники помогают эволюции творческого метода.
Тренд № 3.
Демократизация арт-рынка: теперь искусство коллекционируют не скучающие миллионеры, а обычные студенты и домохозяйки.
Удивительный факт: подлинник работы известного мастера теперь может стоить меньше 100 долларов. Европейская аудитория уже распробовала прелести арт-шоппинга и массово скупает работы современников.
Демократизация цен на высокое искусство особенно заметно на примере многолетнего успеха крупнейшей международной ярмарки AAF (Affordable Art Fair, «ярмарка доступного искусства»)
Для его организаторов важнейшим критерием отбора работ является их стоимость: она не должна превышать ценовой потолок, доступный людям среднего достатка.
Тренд № 4.
«Авторский оригинал» – идея, которая стремительно меняет арт-рынок
Маркетинг эпохи копипаста и перепоста по-новому осмыслил идеи Уорхола: картина теперь может выпускаться в нескольких вариантах и с различной ценой.
Например, произведения тех же Курмаз и Сохта стоят совсем недешево. Но они придумали стратегию, которая позволяет захватить три разных ценовых категории.
Стратегия доступности достигается путем выпуска ограниченного тиража на бумаге и холстах авторских оригиналов.
То есть произведение может существовать в пяти копиях, но при этом каждая из них является оригиналом, что подтверждает сертификат международного образца.
Тренд № 5.
Галереи теперь открывают не галеристы, а сами художники.
Важнейшая тенденция: главным местом взаимодействия участников арт-рынка становится персональная галерея художников. Это такая же передовая формация, как маленькая лавочка, где хозяин сам стоит за прилавком.
Надежда Воронина, арт-критик
– В центре Праги у Курмаз и Сохта есть собственная галерея, созданная для выставления самих себя. Пожалуй, это один из самых успешных вариантов современной галереи, выставляющей и продающей искусство, так как здесь слито воедино все необходимое – четкая концепция, цели и задачи художника. Это тип галереи будущего, ведь в современном искусстве все упрощается.
В данном случае работает механика фейсбука и твиттера. Прямая коммуникация между автором и ценителями его творчества становится более выигрышной стратегией, чем общение через агентов и байеров.
Журнал об искусстве Точка ART рассказывает о 10 движениях современного искусства, которые родились в борьбе за независимость и политических конфликтах. Страйдентизм, негритюд, антропофагия и другие направления разбирает в своем обзоре главный редактор Christie’s и автор книги Global Art Джессика Лэк.
Бенгальская школа (Индия и Бангладеш, 1900-е)
Abdur Rahman Chughtai (1894-1975), «Endless Journey; Chinese Girl» © DACS 2020
В 1909 году теоретик культуры Ананда К. Кумарасвами (1877–1947) писал: «Слабость нашего национального движения заключается в том, что мы не любим Индию — вместо этого мы любим Англию, нам нравится её комфортное буржуазное процветание. Такое, которое может установиться и у нас, если мы выучим достаточно наук и забудем достаточно искусств — тогда мы сможем конкурировать с Европой».
Его мысль о порабощении Индии вызвана политическими конфликтами в индийской провинции Бенгалия. В конце 1800-х годов борьба за независимость региона была особенно обострена. В эпицентре антиимпериалистических споров находились художники из Школы искусств в Калькутте. Художники пропагандировали мистицизм современного искусства, которое опиралось на восточные техники и полностью отвергало влияние Запада.
Бенгальскую школу возглавлял Абаниндранат Тагор (1871-1951), племянник Рабиндраната Тагора (1861-1941) — поэта эпохи Возрождения и мыслителя. Паназиатское мировоззрение Тагора черпало вдохновение в искусстве более крупных континентов — в частности, в живописи Японии. Японцы работали тушью, и заимствование этой техники создало то самое удивительное качество рисунков бенгальской школы. «Бесконечное путешествие» Абдура Рахмана Чухтая и «Китайская девушка» из коллекции Джейн и Кито де Бур — пример слияния разных техник Востока.
По словам Нишада Авари, главы отдела продаж «Современного южноазиатского искусства», Бенгальская школа «оказала глубокое влияние на искусство Южной Азии», и особенно на Нандалала Бозе (1882–1966), чьё изображение Ганди стало решающим для образа борца с колонизацией — смиренного, но решительного слуги народа.
Художники, работавшие позднее и вдохновленные символизмом Бенгальской школой, причисляли к Бенгальской школе и индийского модерниста Ганеша Пайна.
Страйдентизм, Мексика, 1920-е
Jean Charlot (1898-1979) «Landscape», 1930
На торгах в Нью-Йорке 20-21 ноября 2015 года картина была продана за $56,250
© DACS 2020
Одной декабрьской ночью 1921 года, на стенах домов Мехико был написан манифест. Его создатель — молодой революционный поэт Мануэль Мейплс Арсе (1900-1981). Риторика его была настолько провокационна, что, казалось, бурлила кипящей энергией победы. Манифест призывал интеллектуалов Мексики забыть о прошлом и начать жить нынешним днём. «Смерть отцу Идальго, долой Сан-Рафаэля и Сан-Лазаро!» — восклицал поэт, ссылаясь на великого героя борьбы за независимость Мексики и двух почитаемых святых. Манифест также цитирует футуристический текст Филиппо Томмазо Маринетти (1876-1944): «Автомобиль в движении намного прекраснее, чем Победа Самофракии».
Таково было рождение страйдентизма —литературного и художественного движения, которое объединило европейские модернистские течения (например, футуризм) с мексиканским модерном и ар-деко. Группе были близки левые взгляды: художники участвовали в забастовках рабочих, но, в отличие от Диего Риверы и художников-муралистов, они не стремились романтизировать мексиканскую революцию. Вместо этого страйдентисты были ярыми реформаторами, которые черпали вдохновение в фольклоре и доколумбовом искусстве. Страйдентисты жили в коммуне Веракрус, где издавался журнал «Horizonte». В 1927 году на коммуну художников напали, и движение прекратило своё существование.
Антропофагия, Бразилия, 1920-30-е
Emiliano di Cavalcanti (1897-1976) «Sonhos do carnaval», 1955. Картина продана за $782,500 на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 26-27 мая 2011 года © DACS 2020
В 1928 году поэт Освальд де Андраде (1890–1954) попытался вывести бразильское общество из культурной летаргии. Сделал он это с помощью провокационной идеологии, которую назвал антропофагией (буквально — «каннибализм»). Утверждая, что величайшая сила Бразилии — в «пожирании» своих колонизаторов, де Андраде заявил, что долг Бразилии — поглотить культуру Европы на пути к уникальности бразильского модернизма.
Жена Андраде, Тарсила ду Амарал (1886-1973), была одним из ведущих художников течения. Она училась в Париже, брала уроки у французского модерниста Фернана Леже (1881-1955) — тогда ду Амарал и обнаружила склонность парижского авангарда к анархии. Эти идеи были включены в эстетику антропофагии, характерной чертой которой стал индустриальный примитивизм — изображение плоских городских пейзажей и зданий — со смелыми красками и сюрреалистичными, похожими на сон, образами.
Антропофагия оказала огромное влияние на многих художников — особенно на тропикалистов, появившихся в Бразилии в конце 1950-х годов.
Негритюд, Франция, 1930-е
Ben Enwonwu (1921-1994) Untitled, 1967. 28 июня 20187 года на торгах в Лондоне картина была продана за £320,750 © Courtesy of The Ben Enwonwu Foundation
Влиятельная художественная группировка «Негритюд» родилась в Париже. Её создатели — поэты из парижской африканской диаспоры: Эме Сезар (1913–2008), Леон Дамас (1912–78) и Леопольд Седар Сенгор (1906–2001). Они начали выпускать студенческий журнал «LÉtudiant Noir» («Черный студент»), первый номер которого был опубликован в марте 1935 года. В нём — решительное, едкое эссе Сезера в ответ на западное прочтение африканской культуры и литературы.
В 1920-х годах интерес к культуре диаспоры стал очень модным в Париже. Европейские художники-авангардисты тщательно изучали и ассимилировали африканскую музыку и танцы в своё искусство, тем самым развивая новые формы модернизма. А Негритюд поставил этот процесс с ног на голову: художники объявили, что Африка и ее многочисленные диаспоры — есть истинная колыбель сюрреализма, и начали развивать свою собственную сюрреалистическую технику. Среди них были Бен Энвонву (1917-94), Вифредо Лам (1902-82) и Рональд Муди (1900-84).
В годы Второй мировой войны многие участники Негритюда покинули Европу, желая нести концепцию движения в мир. Сезар отправился на остров Мартиника, где начал выпускать журнал «Négritude». Леопольд Седар Сенгор — в Сенегал: там он стал президентом, а затем развернул общегосударственную программу по продвижению идей Негритюда в школах искусств. Его сочинения, как и поэзия Дамаса и Сезара, вдохновили многих революционеров — например, политического лидера Амилкара Кабрала.
Египетский сюрреализм, Египет, 1940-е
Ramsès Younan (Egyptian, 1913-1966) «Contre le mur», 1944. Продана за $387,000 23 марта 2019 года на Christie’s в Дубаи © Christie’s
«Искусство и свобода» — группа сюрреалистов, возникшая в Каире в середине 1930-х годов. В 1937 году был опубликован манифест «Long Live Degenerate Art», в котором выражалось согласие группы с преследованием авангардистов в нацистской Германии.
Основанная революционным египетским поэтом Георгом Геней (1914–1973), автором диспута о самодержавной природе египетской культуры, «Искусство и свобода» освещала проблему неравенства в обществе Египта. Художники изображали жестокость — изуродованные, расчлененные тела — для того, чтобы разоблачить прогнившее египетское общество, а позже — чтобы выразить весь ужас Второй мировой войны.
Египетские сюрреалисты не принимали порядок, логику и общепринятую красоту. Сначала художники опирались на европейскую модель сюрреализма, представленную поэтом Андре Бретоном (1896-1966) и фотографом Ли Миллером (1907-77), но позже выработали свой уникальный почерк — субъективный реализм, стиль, свободный от формальных рамок и обозначений изображаемого объекта.
Прогрессивная идеология «Искусства и свободы» оставила свой след в творчестве многих художников и поэтов, в том числе и в картинах британского художника Виктора Масгрейва, а также работах фотохудожницы Иды Кар.
Калькуттская группа, Индия и Бангладеш, 1940-50-е
Gopal Ghose (1913-1980) Untitled, 1959 Картина будет выставлена на онлайн-торгах 24030 июня 2020 года. Начальная стоимость $6,000-8,000 © Christie’s
В 1943 году восемь амбициозных молодых художников встретились в Калькутте, чтобы обсудить кризис индийской живописи. Многие из них долгое время были последователями Бенгальской школы, но затем разочаровались — в частности, в неспособности движения признать ценность современного искусства. Являясь убежденными революционерами и анти-колониалистами, художники считали, что искусство Индии должно полностью отражать лицо нации.
«Основные члены Калькуттской группы — Субхо Тагор (1912–1885 гг.), Гопал Гозе (1913–1980 гг.) и Паритош Сен (1918–2008 гг.) — были объединены тревогой о социально-политических катастрофах в регионе», — говорит специалист Нишад Авари. «Голод, беспорядки, кризис беженцев — всё это стало следствием раздела субконтинента». «Время окружать себя божествами прошло», — писал скульптор Продош Дасгупта. «Художник больше не может быть слепым к себе и своему окружению, к своему народу и обществу».
Калькуттская группа стремилась сделать современное искусство демократичнее, освободить его от излишней элитарности. Ранние их работы были посвящены социалистическому реализму: изображали трудности повседневной жизни индийского народа. Вскоре художники начали стремиться к европейской мысли, черпая вдохновение у Пикассо, Матисса и Бранкузи. Так огненные пастели Гопала Гозе отражают синтез идей социалистического реализма и европейского экспрессионизма.
Группа прогрессивных художников (PAG), Индия, 1940-50-е
Francis Newton Souza (1924-2002) Untitled, 1984 Картина будет выставлена на онлайн-торгах 24030 июня 2020 года. Начальная стоимость $5,000-7,000 ©Christie’s
Влиятельное, но прожившее очень короткий срок объединение прогрессивных художников (PAG), родилось в Мумбаи в 1947 году. В год, когда Индия отделилась от Англии и получила полную независимость.
Основной учредитель и представитель группы — провокационный художник Фрэнсис Ньютон Соуза (1924-2002). Харизматичный и непокорный человек, он был исключен из Школы искусств за порнографические рисунки и критику западного академизма. Вдохновляясь стремлением Калькуттской группы к обще-индийскому искусству, Соуза и его друг Сайед Хайдер Раза (1922-2016) решили создать новое течение. По словам Авари, стилистически их искусство «сочетало авангард с индийской тематикой, было наполнено религиозным и мифологическим символизмом».
Соуза и его единомышленники часто встречались в ресторане «Chetana» в богемном центре Мумбаи. В атмосфере счастья из-за обретения независимости рождались дискуссии: например, с поэтом-националистом Мулком Радж Анандом и писателем- метафизиком Раджа Рао, создателем современной англоязычной литературы Индии — о том, как должно выглядеть новое современное искусство.
Последняя выставка группы прогрессивных художников прошла в 1951 году. К этому времени Соуза и Раза переехали в Европу, а другой ключевой участник — Макбул Фида Хусейн (1915-2011), чья картина «Без названия» стала частью коллекции Джейн и Кито де Бур, бежал в Лондон из-за многочисленных угроз со стороны индуистов.
AfriCOBRA, США, 1960-е
Wadsworth Jarrell «I Am Better than those Motherfuckers and They Know It», 1969 Courtesy of the artist and Kavi Gupta © Christie’s
Африканская Коммуна Плохих Художников (AfriCOBRA) была одной из самых влиятельных «black power» арт-групп в США. Она была основана в Чикаго в 1968 году. Целью AfriCOBRA стало привнести в мир новую эстетику — после жестоких убийств правозащитников Мартина Лютера Кинга и Малкольма Икса. В эссе «Ten In Search Of A Nation» основатель объединения Джефф Дональдсон (1932–2004) изложил, какой именно должна быть новая эстетика «black power». Она будет сочетать в себе влияние и Африки, и Америки. У её образов будет ритм африканской музыки, её движение. Будет яркая, разноцветная палитра, которая была бы похожа на ароматы Kool-Aid — американского безалкогольного напитка. Искусство должно сиять, «чтобы картины мерцали, как только что натёртые воском туфли». Их эстетику называли «супер-реалистичной» — она была праздничной. И, что важно, содержала в себе позитивные месседжи для «black»-сообщества. Это способствовало расширению их прав.
«AfriCOBRA» творила всю вторую половину ХХ века, но только недавно стала по-настоящему известна — благодаря таким выставкам, как «Душа нации», заново открывшим искусство эпохи «Черной силы».
Новое видение (New Vision Group), Ирак, 1960-70-е
Dia Al-Azzawi «A Wolf Howls: Memories of a Poet», 1968. Courtesy of Barjeel Art Foundation © Capital D
В конце 1960-х годов в Ираке появилась новая яркая арт-сцена. Социалистическая партия Баас, пришедшая к власти после революции в 1968 году, создала в стране новую культуру. Из-за этого и возникла арт-группа «Новое видение». Основанная художником Диа Аль-Аззави (р. 1939), группа придерживалась идей панарабского единства: художники призывали к новому арабскому модернизму.
Модернизм связывал художников идеологически и культурно. Идеология панарабизма стала ключом к объединению и модернизации всего арабоязычного мира. Для художников это стало мощной концепцией, которая могла помочь в развитии новых форм арабского искусства.
Художники «Нового видения» использовали такую форму абстрактной живописи, которая включала арабский алфавит — стиль, известный как Хуруфийя. Он, по их мнению, символизировал идеалы панарабизма. К сожалению, расцвет искусства в Ираке был недолгим, и когда баасистский режим превратился в диктатуру, окончательно завял. Последняя выставка «Нового движения» была организована в Бейруте в 1972 году, после чего объединение распалось. Его идеолог — Аль-Аззави — был изгнан в Великобританию.
Борись с цензурой (Fight Censorship), США, 1970-е
Anita Steckel «Nostalgia, Giant Woman on New York», 1973. Из коллекции Музея Бруклина, Нью-Йорк. © Anita Steckel
Анита Штекель (1930-2012), основательница арт-группы, определённо была женщиной действия. Художница-феминистка и подруга Марлона Брандо не раз сталкивалась с лицемерием, и в 1973 году она основала Fight Censorship Group — это стало ответом на очередную попытку закрыть ее выставку в Rockland Community College в Нью-Йорке.
Штекель представляла женскую точку зрения на секс, и помещала в свои работы эротические образы. На экспозиции в Сафферне были выставлены наиболее противоречивые её творения — например, изображения эрегированных пенисов. На попытки цензурировать выставку она ответила созданием группы художниц-феминисток под названием Fight Censorship.
Целью объединения стала борьба с дискриминацией сексуального в творчестве женщин. Штекель разослала гневные письма в журналы, заявляя, что «если эрегированный пенис достоин быть внутри женщины, то он более чем достоин выставляться в величайших художественных музеях». Среди тех, кто подписался под словами Штекель, были Луиза Буржуа, Ханна Уилк и Джоан Семмель. Объединение одержало победу: историки и кураторы начали переосмыслять историю западного искусства и поднимать вопросы об отсутствии в нём женского взгляда.
Еще один материал от аукционного дома Christie’s в нашем журнале: Моне, Климт, Ренуар и другие: самые красивые сады в живописи — как художники по всему миру находили утешение и вдохновение в изображение садов.
Перевод оригинальной статьи Christie’s : Александра Березовская